Nghệ thuật như một dàn nhạc giao hưởng mà trong đó mỗi nhà văn chơi một nhạc cụ riêng

Tối 13 và 14-5 vừa qua, tại Nhà hát lớn Hà Nội, Dàn nhạc giao hưởng Hà Nội [Nhạc viện Hà Nội] đã có hai buổi biểu diễn đầu tiên dưới sự chỉ huy của nhạc trưởng L.Nikolayev trong một chương trình gồm toàn các tác phẩm Nga cổ điển: Overture “Ruslan và Ljudmila” của M.Glinka, Concerto số 1 dành cho violin giọng rê trưởng và Symphony số 5 của Tchaikovsky. Nhạc trưởng L. Nikolayev dành cho báo Nhân Dân điện tử cuộc trả lời phỏng vấn trước khi ông về nước chiều hôm nay, 16-5.

* Thưa nhạc trưởng, ông đã từng chỉ huy nhiều dàn nhạc giao hưởng ở nhiều nước trên thế giới, vậy khi bắt đầu làm việc với một dàn nhạc mới, ông thường gặp những thách thức gì?

- Nếu trên trái đất này không ai giống ai thì dàn nhạc giao hưởng cũng vậy, mỗi dàn nhạc là một tính cách riêng - người Đức chú trọng tiết tấu, người Pháp lại thích âm thanh đẹp… Với mỗi dàn nhạc vì thế tôi phải tìm cách tiếp cận riêng để làm sao chúng tôi có thể đối thoại với nhau. Tôi quan niệm rằng, nhạc trưởng cũng giống như người nặn tượng, phải tạo ra tác phẩm đẹp từ một chất liệu có sẵn.

* Ông đã mất bao lâu để luyện tập cùng các nhạc công trong Dàn nhạc giao hưởng Hà Nội trước buổi biểu diễn? Ông có thể cho biết đánh giá của mình về mức độ chuyên nghiệp của họ?

- Ngay sau khi đến Hà Nội, tôi đã có mười ngày liên tục luyện tập cùng dàn nhạc, mỗi buổi từ ba đến năm tiếng. Tôi cho rằng, các nhạc công trong Dàn nhạc giao hưởng Hà Nội có trình độ chuyên môn tốt, điều quan trọng hơn là tôi nhìn thấy ở họ khao khát được chơi nhạc. Những yêu cầu nâng cao tính chuyên nghiệp và nghệ thuật tôi đặt ra cho dàn nhạc trong các buổi tập đều được đáp ứng. Trong bản giao hưởng số 5 của Tchaikovsky có một đoạn độc tấu kèn co [French horn] có thể nói là thuộc loại khó nhất trong các tác phẩm âm nhạc cổ điển trên thế giới. Lúc đầu tôi rất lo lắng về phần này, nhưng như các bạn nghe trong buổi biểu diễn, nhạc công kèn co hôm đó đã trình diễn rất thành công.

Dàn nhạc cũng như một cơ thể sống, mọi thay đổi đều cần có quá trình, nhưng với một thời gian ngắn như vừa qua, chúng tôi đã tìm được tiếng nói chung và các nhạc công Việt Nam đã làm được những điều mà tôi mong muốn. Trong buổi tổng duyệt và biểu diễn, dàn nhạc đã cho thấy những thay đổi đáng ngạc nhiên.

* Còn về điều kiện luyện tập và biểu diễn tại Việt Nam, thưa nhạc trưởng?

- Mặc dù ngoài trời rất nóng nhưng ở phòng tập của Nhạc viện Hà Nội lúc nào cũng mát mẻ. Cũng không có người đi qua đi lại hay nói năng ồn ào trong lúc dàn nhạc luyện tập như tôi đã gặp ở Italy. Chỉ có điều, dàn nhạc cần mua thêm một số cây đàn violin thật tốt.

* Tại buổi biểu diễn, một số khán giả ở những hàng ghế phía đầu rất lấy làm tiếc về tiếng cót két phát ra từ ghế ngồi của các nhạc công. Những tiếng động này có ảnh hưởng gì đến công việc chỉ huy dàn nhạc của ông không?

- Có lẽ tôi đã hoàn toàn bị cuốn hút bởi âm nhạc nên không còn để ý đến những tạp âm như vậy [cười]. Nhưng trên thực tế có những nhạc trưởng vô cùng nghiêm khắc, họ không  cho phép bất kỳ thứ tiếng động phi âm nhạc nào có mặt trong buổi biểu diễn của mình.

* Được biết, sắp tới Dàn nhạc giao hưởng Hà Nội sẽ có buổi biểu diễn cùng ban nhạc rock của Pháp. Những sự kết hợp như vậy - với ban nhạc pop, rock, thậm chí cả rap, ngày phổ biến ở các dàn nhạc giao hưởng. Ông nghĩ gì về sự kết hợp này?

- Có thể hiểu đó như là một hướng tồn tại của các dàn nhạc hoặc như là nỗ lực nhằm đưa âm nhạc đi vào cuộc sống bằng mọi cách. Ngày nay, không ít nghệ sĩ lớn trên thế giới cho rằng, kỷ nguyên của nhạc cổ điển đã chấm dứt, các trường phái cũng đã phát triển đến tận cùng con đường của mình rồi, không còn những giai điệu vĩ đại mới nữa. Những bản symphony lớn như symphony số 5 của Tchaikovsky cũng ít được biểu diễn. Người nghe nhạc bị cuốn hút bởi nhiều trào lưu mới. Con đường để đưa nhạc cổ điển đến với công chúng là con đường đầy đau khổ, khó khăn. Chỉ lôi kéo được mọi người đến nghe nhạc giao hưởng một - hai lần thì không giải quyết được vấn đề gì, mà mấu chốt nằm ở chỗ, người nghe phải được giáo dục tình yêu nhạc cổ điển từ khi còn nhỏ.

* Sau hai buổi biểu diễn được giới chuyên môn đánh giá rất cao vừa qua, người yêu nhạc cổ điển ở Việt Nam có cơ hội nào gặp lại ông không?

- Theo thỏa thuận hợp tác với Nhạc viện Hà Nội, trong ba năm tới, tôi sẽ sang biểu diễn cùng Dàn nhạc giao hưởng Hà Nội ít nhất hai lần mỗi năm. Trước mắt, tôi sẽ trở lại vào tháng 12.

* * *

Tại buổi biểu diễn ở Nhà hát lớn hôm đó, Leonid Nikolayev đã cho thấy một định nghĩa đơn giản về hai từ nghệ sĩ - đó phải chăng là người có thể làm cho những cảm xúc về cái đẹp từ bản thân mình lan toả mạnh mẽ đến công chúng? Vẫn còn những chỗ trống, nhưng khi âm nhạc ngừng lại, nhà hát dường như đã bùng nổ bởi những tràng pháo tay, và tiếp theo là bầu không khí đầy phấn khích, mặc dù nhân vật chính của buổi biểu diễn là người nhạc trưởng có vóc dáng nhỏ bé đến từ nước Nga và các nhạc công khiêm tốn của Hà Nội chứ không phải là ngôi sao nhạc pop hay nhạc rock nào đó.

THÁI THANH

Một tác phẩm nhạc cụ quy mô lớn dưới dạng nhiều chuyển động chơi trong dàn nhạc. Cho dàn nhạc Sonata Tuy nhiên, nó đòi hỏi một bố cục chắc chắn hơn và một cá tính như một tác phẩm lớn hơn là một bản sonata độc tấu hoặc hòa tấu. Khoảng năm 1800, một thành phần chuyển động điển hình được tìm thấy trong Beethoven. Nói cách khác, nó bao gồm hai chuyển động [hai cho mỗi nhạc cụ hơi, timpani và năm dây. Tổng cộng 20 hoặc nhiều hơn, thường là sau 50], và bao gồm bốn chuyển động: đột ngột, buông lỏng, nhảy và đột ngột. Động tác đầu tiên là dạng sonata, động tác thứ hai là dạng hai hoặc ba phần, dạng biến thể, dạng sonata, động tác thứ ba là dạng minuet hoặc scherzo, dạng ba phần, động tác thứ tư là dạng Rondo. hình thức hoặc một hình thức sonata, và hỗn hợp của cả hai. Định dạng.

Các thuật ngữ "giao hưởng" hay "giao hưởng" và "giao hưởng" đã được tìm thấy trong "Rakudust" của Ogai Mori [xuất bản trong "Mesashikusa" năm 1896], là bản dịch trực tiếp từ tiếng Đức "Zinfony". Là. Từ nguyên của nó bắt nguồn từ tiếng Hy Lạp cổ đại [cả hai] -phōnē [âm thanh]. Điều này đã trở nên có nhiều ý nghĩa khác nhau vì nó được chuyển hướng sang các ngôn ngữ Lãng mạn và Đức qua tiếng Latinh. Trong thời cổ đại và trung cổ, nó được sử dụng để chỉ harmoniac của thiên cầu, các khoảng phụ âm, nốt phụ âm và các nhạc cụ cụ thể, cũng như các bài hát và âm nhạc nói chung. Trong thời kỳ Phục hưng và Baroque, nó hầu như đồng nghĩa với hòa tấu giọng nói và nhạc cụ [chẳng hạn như các bản hòa tấu của nhà thờ] và cantatas hòa tấu, đặc biệt là các bản sonata hòa tấu và các bản hòa tấu đầu thế kỷ 17, cũng như các phần giới thiệu của các phòng khiêu vũ, vở opera và oratorio. , Phần hòa tấu [overture, Little Nello] trong các bài hát có giọng kịch như cantata.

Các bản giao hưởng đã phát triển không ngừng kể từ nửa sau của thế kỷ 18, chủ yếu ở châu Âu, chủ yếu là trong thế giới nói tiếng Đức, nhưng đặc biệt là vào thế kỷ 19 sau Beethoven, nghệ thuật và kỹ năng của nhà soạn nhạc đã được phát huy tối đa cùng với opera. Nó đã trở thành một thể loại được chơi.

Quá trình hình thành và phát triển của các bản giao hưởng là cơ sở để tìm hiểu mọi thành tựu về dàn nhạc tiền cổ điển và cổ điển, nhạc khí hòa tấu, sonata,… Thể loại này được phổ biến ở hầu hết các thành phố âm nhạc của Châu Âu thời bấy giờ và ở các vùng phía Bắc. Châu Mỹ. Theo thống kê của J. La Liu, các tiết mục từ khoảng năm 1720, khi thời kỳ tiền cổ điển sắp bắt đầu, đến khoảng năm 1810, khi thời kỳ cổ điển sắp bắt đầu, đã lên tới 12.350 bài. Sự phát triển và sử dụng rộng rãi của thể loại này cũng gắn liền với sự thay đổi bản chất của âm nhạc trong xã hội châu Âu thế kỷ 18. Tư tưởng Khai sáng đã tạo ra một nhà chuyên chế được Khai sáng yêu mến và bảo vệ nghệ thuật, đồng thời thiết lập một phong cách âm nhạc tự nhiên và súc tích, thu hút lý trí và khả năng cảm thụ của con người, tránh xa tiền đề "vì vinh quang của Đức Chúa Trời." Ngoài ra, cuộc Cách mạng Công nghiệp, những thay đổi đi kèm trong hệ thống kinh tế và sự tăng cường giao lưu cá nhân đã dẫn đến sự gia tăng của tầng lớp trung lưu và những thay đổi về cơ cấu trong cung và cầu âm nhạc. Trong xu hướng này dẫn đến Cách mạng Tư sản, âm nhạc nghệ thuật đã được giải phóng khỏi các tòa án và nhà thờ và giành được thị trường mới. Việc thành lập các buổi hòa nhạc công cộng ở các thành phố quốc tế như Paris và London, xuất bản các bản nhạc và tạp chí âm nhạc cho những người đam mê, và việc phổ biến âm nhạc thông qua sự phát triển của các ngành công nghiệp âm nhạc mới này cũng tạo cơ sở cho sự phát triển của các bản giao hưởng.

Khái niệm giao hưởng trong thế kỷ 18 không phải lúc nào cũng phù hợp với ngày nay. Mặc dù sự khác biệt về phong cách giữa giao hưởng và các thể loại khác đang trở nên khá rõ ràng, nhưng cái tên Symphony, Symphonia và Overture thường bị trộn lẫn và ranh giới giữa ba thể loại này đôi khi vẫn khá mơ hồ. Gặp. Phẩm giá bất khả xâm phạm của bản giao hưởng cũng không được thiết lập. Bản giao hưởng được hình thành theo sở thích của một khán giả cụ thể và nhiều ràng buộc thực tế khác nhau như mục đích và cơ hội của buổi biểu diễn [ví dụ, Haydn phải sáng tác theo thành phần không thường xuyên của dàn nhạc cung đình Esterhazy Hou]. ]. Trong một số trường hợp, tác phẩm hoặc phong trào tương tự được tái tạo cho một dịp khác và chuyển hướng sang tác phẩm khác, hoặc nó chỉ đơn thuần là một bộ sưu tập từ các thể loại khác như serenades. Điều kiện thực tế của các buổi biểu diễn cũng khác nhau, và không có gì lạ khi một phong trào cụ thể được biểu diễn trong một tổ chức khác hoặc thay vì tất cả các bài hát. Tùy thuộc vào vị trí, mục đích và số lượng người có thể mua sắm, quy mô của dàn nhạc có thể từ một chục người hoặc nhiều hơn trên quy mô âm nhạc thính phòng đến tổng số 100 người. Thói quen của basso liên tục kể từ thời Baroque đã được duy trì cho đến cuối thế kỷ 18 [thế kỷ 19 tùy thuộc vào thể loại và khu vực], mặc dù ý nghĩa ban đầu của sự lấp đầy hài hòa đã bị mất. ..

Tiền thân của bản giao hưởng là bản overture của nhà hát opera Ý. Đây được gọi là và , và cùng với , nó đã trở thành hai cuộc đảo chính lớn của thế kỷ 17 và 18. Lịch sử của Sinfonia Trường học Neapolitan Bắt đầu với vở opera phong cách hài những năm 1680 [A. Scarlatti]. Toàn bộ được bao gồm ba chuyển động, dốc [Allegro] -léo [Andante] -quick [điệu nhảy Allegro hoặc Presto], và nói chung được viết theo phong cách đồng âm, trái ngược với lối đối âm hùng vĩ của Pháp. Vào thế kỷ 18, nó dần dần tiếp thu các phong cách tiền cổ điển như giọng văn tự do và súc tích, giai điệu đều đặn và trữ tình, và cấu trúc hòa âm rõ ràng. Phong trào đầu tiên liên quan đến sự phát triển của hình thức sonata, và phần cuối liên quan đến sự phát triển của hình thức Rondo. Ban đầu, thành phần nói chung là bốn dây và liên tục basso, nhưng với việc bổ sung các ống, thành phần tiêu chuẩn của dàn nhạc cổ điển, oboe, kèn 2 và dây, đã được thiết lập sau năm 1730. Một mặt, Sinfonia cuối cùng đã trở thành một tiết mục cho các buổi hòa nhạc độc lập với các vở opera [tiếng Sinfonia dành cho các buổi hòa nhạc], và bắt đầu đảm nhận các chức năng như thông báo bắt đầu và kết thúc các buổi hòa nhạc. Bản nhạc opera ban đầu cũng được chuyển hướng sang buổi hòa nhạc. Đóng góp vào sự phát triển của thể loại này là các nhà soạn nhạc hoạt động ở các thành phố lớn thời tiền cổ điển: A. Scarlatti ở Naples, GB San Martini ở Milan, MG Mon và Wagenzile ở Vienna, Stalmitz ở Manheim, Berlin hay Emanuel Bach ở Hamburg, Gossec ở Paris , và Christian Bach ở London. Mỗi nhóm đều trau dồi phong cách âm nhạc của riêng mình, nhưng đặc biệt là về sự phát triển của hình thức sonata, San Martini, Mon, Wagenzile, Stalmitz, hai Bach và Mon để thành lập hệ thống bốn chuyển động bao gồm minuet. , Wagenzile, và Stalmitz là tâm điểm của sự chú ý. Đặc biệt, tòa án ở Mannheim có đội ngũ capelle [dàn nhạc] được đào tạo nghiêm ngặt dưới sự hướng dẫn của nhạc trưởng Stalmitz, người được biết đến là người có đóng góp đáng kể cho sự phát triển của ngôn ngữ sinfonia và cách chơi có trật tự và hiệu quả của dàn nhạc. Trường Mannheim ]. Vì sự phân biệt giữa giao hưởng [mà trong tiếng Ý vẫn dùng để chỉ giao hưởng] và giao hưởng còn mơ hồ, nên hơi khó xác định giai đoạn chuyển tiếp từ trước sang sau, nhưng giao hưởng được hoàn thành như một thể loại độc lập cả về tên gọi và thực tế. Đó phần lớn là do quyền lực của các bậc thầy cổ điển vào nửa sau của thế kỷ 18.

Haydn đã viết 106 đến 107 bản giao hưởng chỉ tồn tại trong khoảng 38 năm từ 1757 đến 1995, nhưng họ đã khám phá tất cả các khả năng và lần theo các thử nghiệm âm nhạc và kỹ thuật khác nhau. Bản thân nó cho thấy, và có thể nói là lịch sử trưởng thành của thể loại này. Đó là, bộ ba tác phẩm âm nhạc chủ đề theo phong cách Sinfonia Concertante "Buổi sáng", "Bữa trưa", "Buổi tối" [1761] và các tác phẩm nhỏ của Haydn năm 1766-73 ["Chia tay", v.v.], được cho là " Gale Rage "thời kỳ. Sáu "Paris Symphonies" [1785-86] và hai "London Symphonies" 12 [1791-95. "Amazing" "Miracle" "Army" "Watch" "Watch" được viết cho các buổi hòa nhạc nước ngoài "Drum lặp lại hit", "London" , v.v ... Hầu hết 6 bài hát trong tuyển tập thứ 2 đều nổi tiếng với thành phần tiêu chuẩn lớn nhất của trường phái cổ điển bao gồm cả kèn clarinet. Phong cách Haydn đã hoàn thành được đặc trưng bởi một hình thức thống nhất và phát triển chuyên sâu bằng động lực gắng sức, nhưng đồng thời nó không chỉ có hình mẫu trí tuệ mà còn có sự thân thiện hài hước.

Mozart, người có ảnh hưởng lẫn nhau với Haydn trong quá trình trưởng thành, đã có 54 bài hát từ khoảng 8 hoặc 9 tuổi [1764, 65] đến 1788, bao gồm cả sự chuyển hướng từ các thể loại khác như serenades, opera bội và chuyển động rời rạc. kể từ khi rời khỏi bản giao hưởng [giai đoạn đầu tiên của bài hát năm 1980 [K 6 .19a] các bài hát của được tìm thấy]. Mặc dù phong cách của ông đã góp phần vào việc hoàn thiện các hình thức cổ điển, bao gồm cả các hình thức sonata, nhưng nhìn chung, ông có nhiều điểm tương đồng hấp dẫn về sự lạc quan, màu sắc hài hòa tinh tế và các ống và dây hơn là một nỗ lực hoàn toàn giống như Haydn. Nó có một phương pháp điều phối đan xen hữu cơ. Tổ chức lớn [giống như tổ chức cuối cùng của Haydn], "Paris" [1778], có ý thức về thị hiếu của khán giả ở Paris, đã bị ảnh hưởng đáng kể bởi phong cách của Mannheim mà ông đã đến thăm ngay trước đó. Trong thời đại Viennese [1781-96], Huffner [1782], Linz [1783], Prague [1786], và cái gọi là ba bản giao hưởng cuối cùng [1788.》], có một nhóm tác phẩm hiếm thấy trong lịch sử của các bản giao hưởng về quy mô và phong cách, sự hoàn thiện về kỹ thuật và tính thân thiện.

Sự phát triển của các bản giao hưởng sẽ bước sang một giai đoạn mới trong thế kỷ 19. Những thành tựu của thế kỷ 18 đã được truyền lại cho thời kỳ Lãng mạn thông qua tính cách mạnh mẽ của Beethoven, và tạo ra nhiều nhân vật khác nhau [ Âm nhạc lãng mạn ]. Mặt khác, số lượng tác phẩm của mỗi nhà sáng tác giảm, xu hướng mở rộng quy mô và nhiều cách viết khác nhau cho mỗi tác phẩm cho thấy sự thay đổi trong quan điểm sáng tạo. Bản giao hưởng rời khỏi sân khấu và được giải phóng khỏi tất cả những ràng buộc thực tế, xóa tan tính cách âm nhạc không thường xuyên [thông thường], dừng việc thu thập đơn thuần từ vựng âm nhạc của thời đại, và nghệ sĩ là nghệ sĩ cho mỗi bài hát. Nó trở thành một đối tượng để thử thách tính cách. Vào thế kỷ 19, đã có những tiến bộ vượt bậc về dàn nhạc, phong cách chơi và cách giải thích, chẳng hạn như việc phát minh và cải tiến các nhạc cụ, thiết lập các phương pháp chỉ huy và sự xuất hiện của các nhạc trưởng chuyên nghiệp. Hơn nữa, sự phát triển của nền kinh tế tư bản đã khuyến khích việc huy động đông đảo khán giả và hệ quả là việc xây dựng các hội trường lớn, nhưng định hướng dàn nhạc quy mô lớn không phải là không liên quan đến nền tảng xã hội như vậy. Các bản giao hưởng của thế kỷ 19 có thể được nắm bắt một cách rộng rãi trong Beethoven và trong một số loạt bài: Những bản nhạc lãng mạn đầu và cuối của Đức, các bản giao hưởng chương trình, chủ nghĩa dân tộc, các bản giao hưởng của Pháp, và sự chuyển giao sang thế kỷ 20.

Tất cả chín bài hát của Beethoven [1800-24] đều có nhận thức độc đáo về các vấn đề. Giới thiệu Scherzo [số 2] [1802], đặc biệt là sự mở rộng đáng kể về quy mô chính thức trong bộ phận phát triển và lập trình viên, nỗ lực phát triển và kỹ thuật biến thể với nhiều động cơ khác nhau, và khái niệm tuyệt vời, những điều này là tượng đài cho bài hát số 3 "Hero" [1804], mang đến một cá tính độc đáo, sự thống nhất của tất cả các chuyển động bằng động cơ mở đầu, sự phối hợp hữu cơ giữa các chuyển động và thiết kế với đỉnh trong chuyển động cuối cùng, ban đầu là một nhạc cụ dành riêng cho nhà thờ và nhà hát số 5 "Fate" [1808], trong đó có nhiều yếu tố đổi mới như sự ra đời của scherzo, hoặc số 6 "Nông thôn" [1808], có tất cả năm phong trào với các tiêu đề [3 đến 5 là liên tục]. Và trong phong trào cuối cùng, hát và hợp xướng xuất hiện để nâng cao lý tưởng tinh thần của thời đại, và nhóm nhạc cụ gõ đã được sử dụng hiệu quả, chẳng hạn như "số 9 [với hợp xướng]" [1824]. Có một nhóm các tác phẩm chống lại nền tảng của. Đặc biệt, tính cách âm nhạc tuyệt đối và tính cách âm nhạc chủ đề, sự thống nhất của tất cả các bài hát với một động cơ duy nhất, và sự ra đời của các nhạc cụ và giọng hát mới đã có ảnh hưởng quyết định đến các tác phẩm giao hưởng tiếp theo.

Schubert [7 bài hát đã hoàn thành, chưa hoàn thành, các đoạn rời, một số bản phác thảo. Khoảng năm 1811-28], người hoạt động ở Vienna vào khoảng thời gian đó, đã sử dụng giai điệu của đoạn riet chính [bài hát], thay vì sự phát triển chuyên sâu của các đoạn. động cơ. Nó tạo ra một cảm giác trang trọng độc đáo rằng giai điệu hài lòng với chính nó được hát một cách tự do và lặp đi lặp lại trong khi tô bóng bằng màu sắc hài hòa. Trong số 7 [số 8 trong cách đánh số thông thường] > [1822] và số 8 [cũng từ số 7 đến số 9] > [1828], trombone đã được thành lập. Quy mô cũng được mở rộng, với nhịp thở lâu đời gợi nhớ đến Bruckner sau này.

Ngoài ra, Mendelssohn [13 bài hát chủ yếu gồm hòa tấu dây thời kỳ đầu và 5 bài hát của năm 1824-42] và Schumann [4 bài hát của năm 1841-51 ngoài bản chưa hoàn chỉnh và bản phác thảo] rất quan trọng trong các bản giao hưởng thời kỳ đầu Lãng mạn. Mendelssohn nổi bật với bầu không khí âm nhạc chương trình và dàn nhạc đầy màu sắc, bao gồm số 3 "Scotland" [1842] và số 4 "Ý" [1833]. Số 1 "Mùa xuân" [1841], số 3 "Dòng" [1850], số 4 [1841, phóng tác 1851] của Schumann, v.v., bao hàm động lực văn học dựa trên nền tảng của những ý tưởng và từ ngữ giống như đàn piano. Tuy nhiên, ông đã tạo ra một mô hình thống nhất với động cơ âm nhạc thuần túy.

Mặt khác, thứ đã trở thành bước đột phá trong khái niệm nhạc tiêu đề ở thế kỷ 19 là "Symphonie Fantique" của Berlioz [1830] ở Pháp. Trong tác phẩm mang tính cách mạng này, cùng một giai điệu [sự lạc quan cố định], thể hiện một con người cụ thể và thường xuyên xuất hiện trong cả năm động tác theo cốt truyện, đảm bảo sự thống nhất về hình thức và nội dung, đồng thời hòa hợp và phối khí. Một thử nghiệm táo bạo đang được thử. Danh sách theo sau kết quả còn lại hai bản giao hưởng tiêu đề, và từ năm 1848 Bài thơ giao hưởng Là thể loại tiên phong của.

Ca nhạc kịch Chống lại những phe phái "tiến bộ" liên quan đến phong trào, nó vẫn còn thuần túy ở Đức và Áo trong nửa sau của thế kỷ 19. Âm nhạc tuyệt vời Brahms và Bruckner duy trì pháo đài của. Brahms [tổng cộng 4 bài hát, 1876-85] sử dụng các hình thức và kỹ thuật cổ điển [ví dụ như Passacaglia] để duy trì phong cách của các bản giao hưởng truyền thống, đồng thời tìm hiểu nội tâm trong khi sử dụng đầy đủ các hòa âm và dàn nhạc sâu sắc và chính xác. Nó thể hiện một phong cách độc đáo, như chìm vào một thế giới điển hình. Bruckner [11 bài, bao gồm nghiên cứu và số 9 chưa hoàn thành, 1863-96], thoạt nhìn tương phản với Brahms, cũng bắt đầu bằng cách viết truyền thống. Tuy nhiên, với tư cách là một bậc thầy về trình diễn đàn organ, dựa trên hình ảnh âm thanh giống đàn organ, và được hỗ trợ bởi kỹ thuật hoàn hảo của đối âm cổ điển và hòa âm sắc độ hiện đại, một cảm giác mô hình độc đáo dần nhắc nhở chúng ta về thế hệ năng lượng khổng lồ. Đã được đưa ra. Đặc biệt, ba bài hát cuối số 7-9 [1883-96] được nhiều người biết đến.

Ở Pháp từ nửa cuối thế kỷ 19 đến đầu thế kỷ 20, có những dấu hiệu đáng chú ý về sự hồi sinh của dàn nhạc. Các bản giao hưởng bao gồm nghệ sĩ cổ điển Bizee, Gounod, San Saans [《số 3 [với đàn organ]》 1886, v.v.], CA Frank [D nhỏ》 1888], Dandy, Chausson, v.v., những người nổi tiếng với hình thức tuần hoàn. Được thực hiện. Vào thời điểm đó, cũng là thời điểm các nước phương Đông và Scandinavia trau dồi ngôn ngữ âm nhạc dân gian của riêng mình, phản ánh sự trỗi dậy của chủ nghĩa dân tộc ở các nước châu Âu. Về các bản giao hưởng, ảnh hưởng của phong cách lãng mạn Đức nhìn chung đã ăn sâu, nhưng có Bohemian Dvorak, Nga AP Borodin, Tchaikovsky, Glazunov và những người khác.
→ Chủ nghĩa dân tộc Nga
Vào đầu thế kỷ này, đệ tử của Bruckner là Mahler đã viết một loạt các tác phẩm có vấn đề vượt qua ranh giới truyền thống, dựa trên một quan điểm âm nhạc độc đáo coi các bản giao hưởng là "một cái gì đó giống như thế giới." 11 bài hát. 1888-1911]. Với việc hiện thực hóa nhiều loại mật độ âm nhạc thính phòng chính xác thông qua mô hình dài và độc đáo và tổ chức lớn [3 đến 5 ống và nhiều loại nhạc cụ gõ. Đơn ca hoặc hợp xướng lớn tùy thuộc vào bài hát, hoặc cả hai], có nhiều loại khác nhau như reet tự tạo. Ngay từ cái nhìn đầu tiên, nhiều chất liệu giai điệu khác nhau được cắt ghép và một bao trùm mọi thứ được tiết lộ. Nó đã có ảnh hưởng lớn đến các nhạc sĩ trẻ thời bấy giờ, trong đó có Trường Trung học Đệ nhị cấp.
→ Trường Viennese

Lịch sử âm nhạc trong thế kỷ 20 có thể được phân chia rộng rãi cho đến Thế chiến thứ nhất [mở rộng của chủ nghĩa lãng mạn và chủ nghĩa hiện đại], giữa hai cuộc chiến tranh [mặc dù có khuynh hướng thử nghiệm, nhưng nhìn chung là chủ nghĩa tân cổ điển giả], và sau Thế chiến thứ nhất [. [Avant-garde], nhưng bản chất của bản giao hưởng không đồng nhất và rất khó để theo dõi nó trong một dòng chảy nhất quán. Điều này là do các kỹ thuật và triết lý sáng tạo khác nhau được nêu ra, và các dòng nguyên tắc sáng tạo được đặt câu hỏi thay vì cụ thể các thể loại. Ngoài ra, các kỹ thuật mới như atonality và 12-tone thường không yêu cầu mô hình hóa quy mô lớn của "giao hưởng" theo nghĩa truyền thống, mà hướng tới sự hợp nhất các cấu trúc. Chúng không thể thay thế vai trò của khóa truyền thống. hệ thống, chủ nghĩa hình thức dựa trên sự hài hòa chức năng và thao tác chủ đề, mang lại sự thống nhất cho các bài hát dài. Các bản giao hưởng tự hào với các màn trình diễn khổng lồ vẫn là tiết mục chính của các buổi hòa nhạc như của chúng tôi nhưng trong tình huống như vậy, ý nghĩa của bản giao hưởng trong việc sáng tạo không nhất thiết phải cao, ít nhất là vì nó đã lùi xa so với thời đại. Tôi không thể nói. Trong nhiều trường hợp, cái tên cũng chỉ có ý nghĩa như một cấu trúc âm học của một chuyển động đa chuyển động của dàn nhạc. Ngoài ra còn có những cái tên gợi ý sự rời bỏ phong cách lãng mạn muộn màng, chẳng hạn như Giao hưởng Phòng nhỏ [Schoenberg] và Sinfonietta nhỏ [Janacek, A. Roussel, Hindemith]. Mặt khác, sự tiến bộ vượt bậc trong công nghệ điện tử và công nghệ ghi âm / phát sóng đã mang lại những thay đổi lớn về cấu trúc và quốc tế hóa trong ngành công nghiệp âm nhạc, đồng thời, mang lại cảm giác mới về giai điệu, thái độ nghe và cải thiện công nghệ hiệu suất. Những điều này tương quan với sự phát triển sáng tạo và hiệu suất của dàn nhạc hiện đại.

Một phần mở rộng của thế kỷ 19 là Lãng mạn quá cố R. Strauss, Rachmaninoff, Bourne Williams, nhà dân tộc chủ nghĩa Sibelius, C. Nielsen, Janacek, và một so sánh phản ánh thế giới xáo trộn giữa hai cuộc chiến tranh. Các tác phẩm tân cổ điển với phong cách chiết trung và đơn giản bao gồm Duca, A.Russel, nhóm 6 thành viên người Pháp Onegel và Miyo, cũng như Sibelius, Strabinsky, Anh, Hindemitt tân lãng mạn và quần chúng lao động. Prokofiev, Shostakovich, Hachaturyan của chủ nghĩa hiện thực xã hội chủ nghĩa với mục đích khai sáng, mặt khác, Schoenberg, Webern, Kruschenek như một loạt các kỹ thuật tiên phong, mười hai tông màu, Dutyu, bảo thủ sau Thế chiến II, KA Có Hartmann, các quy mô âm nhạc độc đáo và các chủ đề và nhịp điệu của Ấn Độ, Mesian với các nhạc cụ điện tử và Henze với các kỹ thuật khác nhau. Trong thế kỷ 20, các bản giao hưởng khác đã được tích cực viết bên ngoài châu Âu, và kể từ khi các nhà hiện đại Ives, Copeland, Piston, R. Harris, H. Hanson, Barber và những người khác đã được sản xuất từ Hoa Kỳ, và chúng được hoan nghênh bởi chiến tranh. Có nhiều nhạc sĩ châu Âu lưu vong.

Ở Nhật Bản, bản giao hưởng đầu tiên ["Kachidoki và hòa bình" của Kosaku Yamada khi học ở Berlin] được viết vào năm 1912 trong quá trình tích cực du nhập âm nhạc phương Tây. Sau đó, từ khoảng năm 1935, Saburo Moroi và Tomojiro Ikenuchi đã giới thiệu các kỹ thuật sáng tác của Đức và Pháp một cách nghiêm túc, và nói chung, các phong cách hàn lâm hơi đi sau các phong trào mới nhất ở châu Âu đã được truyền tải. Trước khi Thế chiến II kết thúc, ngoài Moroi còn có các tác phẩm của Shukichi Mitsukuni dựa trên hệ thống hòa âm phương Đông của riêng ông. Sau chiến tranh, những kỹ thuật tiên phong của châu Âu được tiếp thu, và những tác phẩm được đánh giá cao trên thế giới đã ra đời. Akira Ifukube bằng phương pháp Ostinato dân gian, Yoshiro Irino bằng kỹ thuật mười hai âm, Toshiro Mayuzumi, người tổng hợp lại phân tích âm thanh của âm thanh chuông của dàn nhạc, Yasushi Akutagawa, Shinichiro Ikebe, Akira Ogura, Naotada Odaka, Shibata Nanyu, Dan Ikuma, Noda Teruyuki, Bekku Sadao, Matsushita Shinichi, Matsumura Teizo, Yashiro Akio và những người khác đã đề xuất giới thiệu những cảm giác âm thanh độc đáo và chất liệu Nhật Bản [thang âm, bài hát dân gian, v.v.], mặc dù có những phong cách hàn lâm. Có.
Eizaburo Tsuchida

Page 2

Nghệ thuật & Giải trí Âm nhạc và âm thanh Nhạc cổ điển

• Nhà soạn nhạc và nhạc trưởng người Áo [1860-1911]

Nhà soạn nhạc người Áo, nhạc trưởng. Sinh ra ở Kaliszt của vùng Bohemian [nay là Kaliszti của Cộng hòa Séc], một gia đình Do Thái. Tôi học piano từ thời thơ ấu, vào Vienna năm 1875 và vào học viện âm nhạc của hiệp hội âm nhạc. Làm quen với H. Wolfe đồng bộ. Sau đó, anh tham dự bài giảng của Bruckner tại Đại học Vienna và có một người bạn. Trong khi ông là nhạc trưởng ở nhiều nơi ở Châu Âu kể từ năm 1880, ông đã là ca sĩ của bài hát "Chiến binh trẻ hơn" [1884], "Bản giao hưởng số 1 / Người khổng lồ" [1888], "Thứ hai và Phục sinh" [1894 Năm], "Lần thứ 3" [1896], tuyển tập bài hát "Sừng âm nhạc của một cậu bé" [1896], v.v. Ngoài ra, tình bạn sâu đậm với R. Strauss , B. Walter và những người khác. Năm 1897, với tư cách là chỉ huy của Opera Court Opera [ Vienna State Opera ], sau khi được bổ nhiệm từ thời Brahms qua đời năm nay, ông trở thành tổng giám đốc của cuộc đời sau nửa năm. Từ năm 1898 trở đi, ông cũng là nhạc trưởng của Dàn nhạc Vienna Philharmonic . Năm 1902, ông kết hôn với Alma Schindler [1879-1964]. Thông qua Alma, tôi biết Zemrinski , Schoenberg , Klimt và những người khác. Ông đến Hoa Kỳ vào năm 1908, chỉ huy Nhà hát Metropolitan và Dàn nhạc giao hưởng New York . Năm 1911, ông ngã bệnh ở New York và qua đời tại Vienna với "Bản giao hưởng số 10" dang dở. Các tác phẩm khác bao gồm cantata "Ca khúc than thở" [1880], "Bản giao hưởng số 4" [1901], "Bản giao hưởng số 5" [1902], "Bản giao hưởng số 6" [1904] Bản giao hưởng số 7 "[1905] , "Bản giao hưởng số 8" [1906], Bản giao hưởng không giới hạn " Bài hát trái đất " [1908 - 1904], Bộ sưu tập bài hát " Shinobi Shitaru Song " [1901 - 1904] Năm], "Bản giao hưởng số 9" [1910] và các bản khác. Giá trị đích thực của âm nhạc đã khẳng định ý nghĩa ngôn ngữ của chủ nghĩa lãng mạn muộn đến giới hạn và mở ra cánh cửa của thế hệ tiếp theo được công nhận lại vào nửa sau của thế kỷ 20. Người vợ Alma nghiên cứu sáng tác trong Zemrinski đã để lại những bài hát Sau thơ của Demel và Rilke . Sau cái chết của Mahler, kiến trúc sư Gropius, sau đó tái hôn và nhà thơ cũng Fell, hồi ký của cô, được cả họa sĩ Kokoschka biết đến là tác phẩm đầu tiên [ấn phẩm năm 1960] có giá trị đầu tiên một nửa thế giới nghệ thuật châu Âu thế kỷ 20 Đó cũng là một minh chứng. → Franz Schmidt / Shostakovich / Berg
→ Các mặt hàng liên quan Casella | Kuberique | Klemperer | Giao hưởng | Sừng âm nhạc của cậu bé | Bản giao hưởng thứ chín | Tudor | Thấp hơn | Ferrier | Đàn mandolin | Mạnhelberg | Lót | Chủ nghĩa lãng mạn | Weil | Rượu vang

Nguồn Encyclopedia Mypedia

Những ngôn ngữ khác