1 billboard NEW ALBUM NEW SWAGGER NEW-FOUND FREEDOM BRUNO MARS SEXIST MAN ALIVE!
billboard 3
Đĩa đơn Leave the Door Open là cú bắt tay giữa cổ điển và hiện đại. Bản phối đậm màu hoài cổ, kết hợp hài hòa giữa nhạc Soul thập niên 1970 và R&B những năm 2000. Ca từ ngợi ca tình yêu. Người hát nhắn nhủ nửa kia luôn “để cửa mở”, chào đón cô bất cứ lúc nào. Ngay khi ra mắt, bài hát đứng đầu nhiều bảng xếp hạng trên thế giới, trong đó có Billboard Hot 100. Đây cũng là đĩa đơn mở màn cho album đầu tay An Evening with Silk Sonic của nhóm phát hành tháng 11/2021. Được đề cử bốn hạng mục, ca khúc đánh bại mọi đối thủ tại Grammy 2022. Như lời Anderson .Paak phát biểu tại lễ trao giải, bài giúp Silk Sonic quét sạch [clean sweep] lễ trao giải với hai trên bốn đề cử “Big Four”. Bruno Mars: máy tạo hit 4
Vấn đề là Bruno Mars tài giỏi hơn việc chỉ làm một hookman thuần túy. Album solo của anh là một bất ngờ lớn tới người yêu nhạc và thị trường lúc đó. Các bài nhạc của Mars mang tới một sự hoài cổ của dòng nhạc những thập niên 70 và 80 nhưng lại hiện đại qua chất nhạc Pop gần gũi khiến anh ngay lập tức thống trị các bảng xếp hạng. Cái đẹp trong nhạc của anh chính là một số công thức tạo hit cho mainstream nhưng lại vẫn đưa được cái chất của một nghệ sĩ âm nhạc thực thụ qua khả năng vừa ca hát, chơi nhiều nhạc cụ và đặc biệt sáng tác nhạc. 5
6 Adele thiết lập kỉ lục với Easy On Me Ca khúc mới của Adele vượt mặt Butter của BTS, đạt được 24,03 triệu lượt nghe nhạc trực tuyến trên Spotify, trở thành bài hát có số lượng stream trong một ngày cao nhất trong lịch sử nền tảng này. Bài hát mới của Adele còn vượt qua Positions của Ariana Grande để trở thành ca khúc của một nữ nghệ sĩ solo đạt hạng 1 ở nhiều quốc gia và vùng lãnh thổ nhất trên nền tảng Apple Music. Theo đó, ca khúc đang “làm mưa làm gió” tại 86 BXH Apple Music khắp thế giới, trong khi Positions đạt no.1 tại 66 quốc gia và vùng lãnh thổ.
7 Ngày đầu ra mắt, Easy On Me vướng vào tranh cãi khi để lượt view công chiếu MV trên YouTube thua xa các đại diện Kpop. Nhưng từ lâu, YouTube không còn là mặt trận chính của các nghệ sĩ USUK nữa. Sau 24h phát hành, Easy On Me mang về cho Adele 40,3 triệu lượt xem trên YouTube và ở thời điểm hiện tại, con số ấy đã là 112 triệu lượt xem. Một con số không tồi cho một MV chỉ mới lên sóng 10 ngày và “nói không với cày view”. Lượt yêu thích của khán giả đối với MV Easy On Me cũng nhiều áp đảo so với lượt dislike, đủ để cho thấy Adele là cô ca sĩ bảo bối của công chúng.
NGƯỜI PHỤ 8
CỦA NĂM Ụ NỮ 9
Olivia Rodrigo Người phụ nữ của năm Ca sĩ Olivia Rodrigo, 18 tuổi, được B i l l b o a r d v i n h danh “Người phụ nữ của năm” nhờ đột phá làng nhạc 2021 qua album “Sour”. 10
Olivia Rodrigo được nhận xét là sao trẻ đột phá nhất năm 2021, dấu ấn thể hiện qua abum đầu tay Sour, theo Billboard. Sản phẩm được Rolling Stone vinh danh là “Album số một năm 2021” và The New York Times gọi là một trong những album hay nhất năm qua. Sản phẩm còn đứng đầu một số danh sách cuối năm của Billboard gồm: Nghệ sĩ hàng đầu toàn cầu 200, Nghệ sĩ mới tổng thể, Nghệ sĩ Hot 100 hàng đầu, Nghệ sĩ nữ Hot 100 hàng đầu, Nhạc sĩ hàng đầu của Hot 100. Sour còn nhận nhiều lượt nghe trực tuyến nhất tại Mỹ cho album đầu tay của ca sĩ nữ từ trước đến nay, phá kỷ lục album được phát trực tuyến nhiều nhất trong tuần của một nữ nghệ sĩ trong lịch sử Spotify với hơn 385 triệu lượt. 11 ca khúc trong album đều lọt vào top 30 của Billboard’s Hot 100. 11
12
DRAKE Billboard magazine 13
Drake rút khỏi 14
Deadline đưa tin hôm 7/12, Drake đã tuyên bố rút tên khỏi danh sách đề cử Grammy 2022. Sau tuyên bố của Drake, tên anh đã bị xóa khỏi website chính thức của giải Grammy. Sau khi Drake bị xóa tên khỏi danh sách đề cử, mỗi hạng mục anh từng tham gia tranh giải chỉ còn lại bốn ứng cử viên. Theo thông tin từ Variety, nam rapper và đơn vị quản lý đã đạt được sự đồng thuận trước khi đưa ra quyết định này. Tờ Rolling Stone sau đó xác nhận đây hoàn toàn là quyết định của Drake. Tuy nhiên, lý do khiến anh rút lui vẫn chưa được làm rõ. Trước đó, rapper người Canada nhận hai đề cử cho album nhạc rap của năm và màn trình diễn nhạc rap xuất sắc với Certified Lover Boy và Way 2 Sexy. Trong đó, anh đã trình bày ca khúc Way 2 Sexy trên sân khấu với hai đàn em Future và Young Thug. i Grammy 2022 15
SPECIAL PICTURE FORJOHN LENNON -IMAGINE ALL THE PEOPLE LIVING IN PEACE 16
17 JOHN LENNON “Một phần trong tôi muốn được chấp nhận bởi mọi thành phần của xã hội chứ không phải trở thành một nhà thơ/nhạc sĩ mất trí to mồm. Tôi không thể trở thành một gã không đúng với con người tôi... Tôi là một đứa nhóc mà mọi cha mẹ nào khác – kể cả bố của Paul – sẽ phải nói “Tránh xa nó ra...” Họ đều biết rằng tôi chỉ là một đứa gây phiền phức, một đứa không lành tính và có thể gây ảnh hưởng xấu tới lũ trẻ như tôi vốn vậy. Tôi vốn làm mọi thứ để đập phá nhà của lũ bạn... Một phần vì ghen tị mà tôi không có cái gọi là nhà... nhưng tôi đã từng có... Có năm phụ nữ là gia đình của tôi. Năm người phụ nữ mạnh mẽ, thông minh và xinh đẹp. Năm chị em. Một người trong số đó là mẹ tôi... [Bà] không thể chấp nhận cuộc sống. Bà là người trẻ nhất và có một người chồng phải đi biển, và cuộc chiến bắt đầu và bà không thể một mình chăm sóc tôi được. Và tôi đã phải sống với người chị của bà. Tất cả những người phụ nữ đó thật tuyệt vời... Họ chính là những bài học về phụ nữ đầu tiên của tôi... Vậy nên tôi muốn tiêm nhiễm vài điều vào đầu óc mấy cậu nhóc khác. Tôi nói với chúng “Cha mẹ không phải là các vị thánh bởi vì tôi vốn đâu được sống với họ!””
Bad Bunny san bằng thành tích của Drake, Slipknot No.2 Billboard 200 Billboard200 Bên cạnh vị trí đầu bảng cho “Un Verano Sin Ti” của Bad Bunny, Top 10 Billboard 200 còn chào đón thêm một số gương mặt mới như “The End, So Far” từ ban nhạc Slipknot hay “Can I Take My Hounds to Heaven” – Tyler Childers. Tại BXH album tuần này, các thứ hạng trong Top 10 vẫn tiếp tục được nắm giữ bởi những sản phẩm ăn khách tại Mỹ suốt thời gian qua như: “Dangerous: The Double Album” – Morgan Wallen vẫn No.3, “The Highlights” – The Weeknd nhảy lên No.4, “Harry’s House” – Harry Styles đứng No.5, “Renaissance” – Beyoncé ở lại No.6 và “Beautiful Mind” – Rod Wave tụt xuống No.9. Cùng ra mắt vào ngày 30/9, “The End, So Far” của Slipknot hạ cánh ở No.2, “Can I Take My Hounds to Heaven” – Tyler Childers ở No.8 và “Sorry 4 What” – Tory Lanez nằm No.10 là ba đĩa thu mới góp mặt vào BXH album của Billboard. Trong đó, “Can I Take My Hounds to Heaven” là sản phẩm lọt Top 10 đầu tiên đối với nam ca sĩ Tyler Childers. Trước đây, đĩa “Purgatory” [2017] của anh đã từng ra mắt BXH ở vị trí No.106. Còn riêng “Sorry 4 What”, đây là album đạt Top 10 thứ bảy trong sự nghiệp cho Tory Lanez. 18
1Bad 22 1 Bunny1 Vượt ngoài cả sự mong đợi, “Un Verano Sin Ti” tiếp tục là sản phẩm dẫn đầu Billboard 200 với tuần thứ 13 không liên tiếp cùng doanh thu chạm ngưỡng 84.000 đơn vị trong tuần qua. Theo đó, sản phẩm của Bad Bunny đã chính thức sang bằng số tuần No.1 mà album “View” – Drake từng đạt được vào năm 2016 và album OST “Frozen” vào năm 2014 [cùng thành tích 13 tuần]. Cả ba đĩa nhạc này hiện đều là những album có thời gian thống trị BXH lâu nhất trong vòng 10 năm trở lại đây. 19
20 CONTRIBUTORS Thiết Kế Biên Soạn Kỹ Thuật Nguyễn Lê Quốc Vinh Nguyễn Lê Quốc Vinh Nguyễn Lê Quốc Vinh
MỤC LỤC TRANG Bruno Mars: Máy tạo hit 4 6 9 13 16 18 20 Adele thiết lập kỷ lục với EASY ON ME Người phụ nữ của năm Drake rút khỏi Grammy 2022 Tưởng nhớ John Lennon CONTRIBUTORS Bad Bunny san bằng thành tích của Drake, Slipknot No.2 Billboard 200 21
22 Giá: 250.000đ Rich Brian
Như thế này? Kiểm tra & NBSP; Fact Rundowns của 100 album hay nhất của những năm 1990 & NBSP; và 100 album hay nhất của thập niên 1980.the 100 Best Albums of the 1980s.
Một số cựu nhân viên thực tế cũ của Ah Ah, cho biết một thập kỷ tốt nhất trong số họ?
Nhìn vào bằng chứng, nó khó có thể tranh luận: Đây là thập kỷ mang đến cho chúng ta sự kết hợp giữa buổi trưa, mười mùa hè của vũ trường, sự trỗi dậy của các nhà truyền hình dub, những cuộc khuấy động đầu tiên của môi trường xung quanh, và vết cắn của punk. Âm nhạc điện tử rời khỏi các học viện và các bảng xếp hạng mới lạ và bắt đầu lây nhiễm Rock and Pop Wholesale. Prog nhìn chằm chằm lên trên, Thời đại mới nhìn vào bên trong, kim loại đã làm suy yếu độ sâu - và người Đức đã phát hành rất nhiều kỷ lục tuyệt vời.
Tuy nhiên, hơn bất cứ điều gì, đây là âm nhạc phổ biến của Cambrian thời kỳ: & nbsp; một nồi nấu chảy từ đó các hình thức mới quan trọng [hip-hop, nhà, hậu punk] sẽ xuất hiện vào cuối thập kỷ này. Nó có một thập kỷ kết hợp kỳ lạ, về các tương ứng không thể và [để tham khảo một album trong các cuộc họp cơ hội] - một số thảm họa, một số thực sự rất tốt lành.
Như với các danh sách trước đó, chúng tôi đã tìm cách đại diện cho giai đoạn trong tất cả sự đa dạng của nó. Như mọi khi, đây không phải là một số câu chuyện kể của Canon ™, cũng không phải là một danh sách râu hơn cho những người đối thoại và những kẻ nổi loạn. Thay vào đó, đây là 100 kỷ lục mà chúng tôi chỉ đơn giản là không thể sống mà không có - những hồ sơ đã định hình các bộ sưu tập của chúng tôi, các bộ sưu tập nghệ sĩ yêu thích của chúng tôi và, theo những cách lớn và nhỏ, sự phát triển của âm nhạc phổ biến vào cuối thế kỷ 20.
Chúng tôi sẽ đếm ngược danh sách cả tuần này - hai mươi mỗi ngày, kết thúc vào thứ Sáu.
Để đi kèm với danh sách, nhóm của chúng tôi đã quản lý và ghi lại năm hỗn hợp, có tài liệu từ tất cả các bản ghi trên danh sách. Chúng tôi sẽ được tiết lộ các ngày này song song với danh sách: & nbsp;
Trộn 1 & nbsp; [#100-#81]
Trộn 2 [#80-#61]
Trộn 3 [#60-#41] & nbsp;
Trộn 4 [#40-#21]
Trộn 5 [#20-#1]
100. Anna Lockwood Thế giới thủy tinh của Anna Lockwood [Tangent, 1970]
The Glass World of Anna Lockwood
[Tangent, 1970]
Trong số một cán bộ đặc biệt gồm các nhạc sĩ thử nghiệm và các nhà ghi âm thực địa, Anna - hoặc, vì sau đó cô được ghi nhận, các buổi hòa nhạc Glass của Annea - Lockwood, cuối những năm 1960 và đầu những năm 1970 là những thứ của huyền thoại. Được lắp đặt trong các phòng tối với màn hình ánh sáng khiêm tốn theo sau, người New Zealand đã cọ xát và đâm vào một loạt các tàu thủy tinh khác nhau [chai, lọ, ống] và các tấm bài hát. Thế giới thủy tinh của Anna Lockwood trình bày các tác phẩm trong một tĩnh mạch tương tự: kết quả là tuyệt đẹp và thế giới khác, và báo trước một thập kỷ đặc trưng bởi sự tò mò và sai lệch. Mặc dù vậy, không chắc cô ấy làm gì với Justice Yeldham.Justice Yeldham, though.
99. Libra Schock [Cinevox, 1977]
Schock
[Cinevox, 1977]
Goblin có thể [hoàn toàn đúng] nhận được phần lớn sự chú ý khi các cuộc trò chuyện không có trong các bản nhạc kinh dị của Ý, nhưng có nhiều đá quý hơn nếu bạn quan tâm để xem xét kỹ hơn. Libra sườn proggy đệm cho Mario Bava, Schock là một trong những người giỏi nhất, và có lẽ nó đã giành chiến thắng như một bất ngờ khi biết rằng ban nhạc thực sự chỉ cách xa Goblin. Tay trống Walter Martino đã biểu diễn với các đối thủ nặng ký kinh dị của Ý vào năm 1975, và trong khi anh ấy không được công nhận trong album Liner Liner, bàn phím yêu tinh lâu đời Maurizio Guarani cũng thực sự đánh rơi một vài cú đâm đặc trưng của anh ấy.
Trong khi Bava chắc chắn muốn lặp lại công thức chiến thắng của Dario Argento, nhưng các bản nhạc như sự bất hòa ‘La Cantina, thậm chí còn kỳ lạ hơn bất cứ thứ gì bạn thấy bạn thấy làm phiền Profondo Rosso & nbsp; OST. Trên thực tế, nó có những điểm nhấn synth tiên phong đặc biệt đó mang lại cho Schock & nbsp; một bộ dấu vân tay độc đáo như vậy, và với các bản nhạc tuyệt đẹp, ma quái như ‘L hè Incubo, và‘ Transfert IV, nó rất xứng đáng với việc đánh giá lại.
98. Gary Wilson Bạn nghĩ rằng bạn thực sự biết tôi [MCM, 1977]
You Think You Really Know
Me
[MCM, 1977]
Ứng cử viên Prime cho người làm trẻ em ít thích hợp nhất trong danh sách này, & nbsp; Bạn nghĩ rằng bạn thực sự biết tôi là một bộ sưu tập có lỗi của bộ dụng cụ bị chấn thương và boogie-woogie ma quái. Lấy cảm hứng từ một cuộc gặp gỡ thời thơ ấu với John Cage, New York Outcast này bắt đầu trở thành & nbsp; , nhưng các tác phẩm [co giật 'khi bạn bước vào giấc mơ của tôi'; mứt tình dục khải huyền '6.4 = makeout'] cũng có ảnh hưởng nghiêm trọng. Bây giờ được công nhận là một tác phẩm kinh điển pop bên ngoài, nó vẫn leo lên và hồi hộp-một album linh hồn mắt xanh được tạo ra bởi một droid bị tổn thương nước.
97. Can
Ege Bamyasi
[United
Artist Records, 1972]
Forget worthies like Stephen Malkmus and Thurston Moore and Beck and Kanye West giving their regal nods to this album – it doesn’t need any of them. All you need to know its greatness is to see a halfway decent DJ drop ‘Vitamin C’ in a club, and see how gloriously the groove abides. That one moment is enough to realise that krautrock is not about collectors and catalogues and worthiness: as much as anything it’s about the primacy of the present moment and the cavorting foolishness of funk. Ege Bamyasi isn’t afraid to get dark – nightmarish, even, in the second half of the ten minute ‘Soup’ – but when Jaki Liebzeit gets rolling and everything else locks into step with him, Can are every inch the multidimensional interstellar groove machine that Parliament/Funkadelic, for example, ever were.
96. Talking Heads
Fear Of Music
[Sire, 1979]
77 and More Songs About Buildings and Food are great – really, really great in parts, and well ahead of the curve – but listening back now, they were too easily imitable, and seem a little of a part with the US new wave that followed. Fear of Music, though, is the one where the band left all the others around them behind, and become completely Talking Heads, impossible to copy despite all the attempts that continue to this day. And from this through until True Stories in 1986, taking in five studio and two live albums, they never put a single foot wrong. So there’s definitely an extra retrospective frisson in knowing exactly what wonders this was the beginning of, the thrill of a band standing on the threshold of true greatness – but even taken on its own merits it’s an absolute marvel. It’s got a heart of ice, the hot guts of funk, and a brain full of bats and butterflies. What else could you need?
95.
Captain Beefheart & The Magic Band
Lick My Decals Off, Baby
[Straight, 1970]
Okay, so Trout Mask Replica might be the established pick when it comes to Beefheart’s “classic” run, but those with an open mind and a keen ear might notice that its follow-up Lick My Decals Off, Baby [which came only a year later, in 1970], while notably less batshit eccentric, might be even more successful. It’s certainly more succinct, and ditches some of its predecessor’s boss-eyed indulgence, instead hitting on a seam of radio-length, jagged experimental pop.
Tight and inventively produced, Don Van Vliet had more autonomy over these recordings than ever before, and it shows. Zappa’s influence was certainly still present, but with Van Vliet at the helm there’s a coherence here that was never again matched. It’s hard to believe that the bizarre collection of songs actually nicked the UK top 20, but that’s what two thumbs up from John Peel would do.
94.
Bruce Haack
The Electric Lucifer
[Columbia, 1970]
On the evidence of The Electric Lucifer, Bruce Haack might reasonably be called early electronic music’s William Blake – a marginalised, self-publishing savant making gnomic work about the grand metaphysical tussle between good and evil. Using home-built synthesisers and vocoders, Haack follows his loopy run of children’s albums with this deep-fried collection of synthesised acid rock. With one foot in the novelty Moog records of the late 1960s, Haack tilts between Biblical cant, psychedelic pop, robo-ballads, and whirlers-gone-wrong bleep fare. Nutty as anything, but, in its own shoddy way, years ahead of its time.
93.
Charlemagne Palestine
Strumming Music
[Shandar, 1974]
Like Terry Riley, Steve Reich and Phill Niblock, Charlemagne Palestine dines at minimalism’s high [and, presumably, Bjursta] table. Performed on a Bösendorfer grand piano with the sustain pedal depressed, this 52-minute recording sees Palestine hammering out gradually shifting note patterns. Like some holy trick of the light, overtones gradually accrue, meld and blur, creating a great shimmering nimbus of sound. Strumming Music has real physical heft – it’s essentially Palestine whacking seven shades out of a piano for an hour – but the result is spectral and gorgeous. In contrast with his eccentric presentational approach [he performs in garish outfits, surrounded by stuffed toys] Strumming Music is pure as driven snow – piano strings braided into a rope to heaven.
92. Devo
Q. Are We Not Men? A: We Are
Devo!
[Warner Bros, 1978]
Of all the sideways-thinking iconoclasts clearing the rubble after punk’s big bang, Devo were perhaps the least comprehensible, and most apparently sui generis of them all. A pop group wrapped in a surrealist art troupe inside a gang of synth-wielding, terraced headgear-sporting maniac philosophers from Akron, Ohio [of all places], the five-piece offered a blunt rejection of the previous decade’s tired rock and roll cliches on their debut album, an idiotically catchy collection of stilted rhythms, barked vocals and childlike imagery that roundly rejected the slop and mess of guitar rawk [a tactic that reaches its acme on their gloriously bananas, totally de-sexed redo of the Stones’ ‘[I Can’t Get No] Satisfaction’]. Thoroughly postmodern in their mingling of highbrow satire and lowbrow artifice, it’s little wonder Brian Eno elbowed his way to the front of the queue to act as producer on Q: Are We Not Men?.
91. Bridget St. John Cảm ơn bạn vì [Dandelion, 1972]
Thank You For…
[Dandelion, 1972]
Một trong những công văn đáng yêu hơn từ phần cuối của vụ nổ dân gian vào cuối những năm 1960, album solo thứ ba của Bridget St. Ít được cắm vào thành ngữ dân gian truyền thống của Anh so với các album mang tính bước ngoặt khác từ thời kỳ này [Sandy Denny, Denny, Silly Sisters, 1976 LP], đây là những bài hát tuyệt vời được trình diễn tuyệt vời, với một số điểm nhấn sản xuất sang trọng đáng ngạc nhiên - ít Birnam Wood, Lee Hazlewood. Những khoảnh khắc đáng yêu hơn [‘Ngày hạnh phúc, ca khúc chủ đề] cho thấy, ngay cả với mùa hè của tình yêu đã rời đi, sự lạc quan chiến thắng của những năm 1960 vẫn còn lặng lẽ.
90. Ghédalia Tazartès Diasporas [Cobalt, 1979]
Diasporas
[Cobalt, 1979]
Nghệ sĩ người ngoài của người Pháp Tarzatés không chỉ hoạt động trong một lĩnh vực của một người - anh ta là người cư ngụ đơn độc của lục địa của chính mình, một nơi mà Marshland làm rìa rừng rậm và thời tiết thay đổi trên một xu. Lần ra mắt năm 1979 của anh ấy nghe có vẻ như không có gì khác - một bộ sưu tập ly kỳ của những người sùng đạo Meanie, Snafu Song và Fevered Goatherd Music. Được khâu lại với nhau từ các vòng băng, diasporas là một lời nói của lời nói, xay công nghiệp, con bao âm và hát cổ họng, đứng đầu bởi Tarzatès phân phối giọng hát đặc biệt/đau khổ bằng cách phát âm. Inditial? Tốt nhất cho cái này bỏ lỡ, Fraidy-Cat.
89. Curtis MayfieldCurtis / Live! [Curtom, 1972]
Curtis / Live!
[Curtom, 1972]
Có ai trong những năm bảy mươi có một album để phù hợp với Curtis, không? Bao gồm các bản nhạc, anh ấy đã thực hiện mười tám trong thập kỷ-tất cả đều tốt, tất cả đều tự sản xuất-và thực sự, trong số đó, bất kỳ Curtis, Superfly, Curtis ở Chicago, Sweet Exorcist & NBSP; hoặc không có nơi nào như Mỹ ngày nay & NBSP; một nơi của danh sách này. Bạn có thể tranh luận trong nhiều năm về cái nào tốt hơn, nhưng những gì bạn có thể tranh luận chống lại là niềm vui tuyệt đối của điều này. Bản ghi trực tiếp là nguyên sơ và cho thấy tất cả các chi tiết tốt của ban nhạc Funk buồng phức tạp chỉ như vậy. Lương tâm xã hội, sự hài hước gượng gạo, sự vênh vang Superfly, sự dịu dàng và quý tộc phi thường của cách tiếp cận của Curtis đều được thể hiện lợi thế tốt nhất của họ, và hơn thế nữa, nó nghe có vẻ như là một bữa tiệc thoải mái nhưng đung đưa mà bạn rất vui khi bạn rất vui được mời đến.
88. Magma Köhntarkösz [A & M, 1974]
Köhntarkösz
[A&M, 1974]
Sản lượng Magma, là punk kryptonite-prog lớn ở mức tự nghiêm túc nhất, hoàn chỉnh với thần thoại Hubbardian, ngôn ngữ được phát minh và đủ dàn hợp xướng để lấp đầy Carmarthenshire hai lần. Nó cũng, rõ ràng, thường là tuyệt vời như nó là khó sử dụng, và không nơi nào nhiều hơn so với trên bộ trang phục của Pháp, phòng thu thứ năm LP Köhntarkösz. Ít có ý thức ker-ker-krazy so với mëkanïk dëstruktïẁ Kömmandöh của năm 1973 Kết thúc để kết thúc. Zeuhl sống!
87. Robbie Basho Tầm nhìn của đất nước [Windham Hill Records, 1978]
Visions of the Country
[Windham Hill Records, 1978]
Âm nhạc gây rối đã hát trực tiếp từ ruột. Một phần của cùng một trục với John Fahey và Leo Kottke, Basho, cá voi-người theo truyền thống Blues của Mỹ [với một số ảnh hưởng phương Đông được thêm vào để khởi động] vẫn có sức mạnh để làm rung chuyển người nghe đến cốt lõi. Tầm nhìn của đất nước - LP Solo thứ mười của Basho - tạo ra một sự cân bằng tuyệt vời giữa Chops và Chutzpah: Basho xông spasmodic Fingerpicking là tuyệt vời về mặt kỹ thuật, nhưng giọng hát sương mù của anh ta có tất cả sự vô tâm và cảm giác thô thiển của người nghiệp dư. Nhiều người thích sự huyền bí yên tĩnh trong các album nhạc cụ của mình, nhưng tầm nhìn của đất nước là một người cởi mở một cách vô nghĩa; & nbsp; chỉ có xã hội học hoặc người bị chặn sẽ có thể vượt qua nó mà không cần nổi da gà.
86. Gaz Gaz [Salsoul Records, 1978]
Gaz
[Salsoul Records, 1978]
Salsoul bắt buộc và đây là một kỷ lục rất ngớ ngẩn. Ban nhạc Cantina 'của Star Wars, bao gồm nó trên rìa, nhưng ở mọi nơi đều có sự ngu ngốc - tiếng nói của người ngoài hành tinh cực khoái lên tiếng trong' tình yêu giữa các vì sao ' Giới thiệu về tomtom-rolling của 'Gaz Ấn Độ' nhường chỗ cho những tiếng nói dành phần còn lại của bài hát Jaunly đi trên Shoop-Shoop-Shoo Bạn quay lại có một đoạn riff sừng hấp dẫn vô sinh hoặc một tiếng grurgle synth nhỏ vui vẻ. Nhưng đó là toàn bộ quan điểm. Chỉ có những Bores hoành hành chỉnh sửa sự silliness ra khỏi vũ trường-điều này được bắn xuyên qua với sự kết hợp của sự ngây thơ mắt rộng và bộ tóc giả có ma túy mà vẫn cảm thấy rất sống. Một sự điên rồ vinh quang.
85. Harmonia
Deluxe
[Brain, 1975]
Look, for a moment, at the list of personnel we have on Deluxe – apart from the core trio of Dieter Moebius and Hans-Joachim Roedelius [of Cluster] and Neu! axe fondler Michael Rother, legendary German producer Conny Plank is behind the boards, and Guru Guru drummer Mani Neumeier helps out on percussion. It’s hardly surprising, then, that the record is one of the finest to emerge from the krautrock era, and almost four decades later it still sounds unmatched.
Fusing the motorik throb of Neu! and the kosmiche warmth of Cluster was an idea the band only touched upon on their [also excellent] debut Musik von Harmonia. Deluxe was the point where everything just fell into place – a collection of real songs blessed with the depth of then divergently modern soundscapes and ideas that would soon fall into normality.
84. Billy
Cobham
Spectrum
[Atlantic, 1973]
Drummer with The Mahavishnu Orchestra and a Miles Davis sideman, Cobham is fusion royalty. Debut solo LP Spectrum was knocked out quickly – 10 days of recording on a minuscule $20,000 budget – but it still sounds hugely assured; where some fusion records are strange, muddled stews, Spectrum brings funk, jazz and rock chops into productive coalition. Unlike The Inner Mountain Flame, say, Spectrum sees Cobham in total service of the groove, with his cephalopod playing carrying the best tracks here: highlights include the car-chase rock’n’roll on ‘Quadrant 4’, and the muscular ‘Stratus’, later plundered for Massive Attack’s ‘Safe From Harm’. And, the gluten intolerant listener will be pleased to hear, there’s barely a noodle in sight. Big seller, too.
83. Kevin
Coyne
Marjory Razorblade
[Virgin, 1973]
A sprawling double album of earthy, shattered blues by an enduringly under-the-radar figure, Marjory Razorblade might be imagined as the troubled distant cousin of Van Morrison’s Astral Weeks, with Kevin Coyne’s similarly scuffed, nicotine-stained wails directed not at misty memories of days gone by but subjects more firmly rooted to the ground – ‘Eastbourne Ladies’ with powdered faces, lonely ‘Jacky’ mourning his long-gone Edna, and the ‘House On The Hill’ and its forgotten residents, inspired by his own experiences working in psychiatric wards. Almost as essential, yet utterly different, to his solo opus is Babble, a 1979 collaboration with avant-rock icon Dagmar Krause depicting a troubled relationship in intimate, harrowing detail.
82. Crass
Stations of the Crass
[Crass Records,
1979]
Forget Beckham in a Crass t-shirt – what has kept Crass relevant, through dance, metal, skate culture and beyond, isn’t their iconography, good though it is. And it’s not their politics which were, to be charitable, pretty basic. No, it’s the fact that their music is really great. Exactly as punk was supposed to be, it’s completely unschooled but super-tight, transmitted direct from the nervous system, and also as intensely weird as a band with a deep hippie background should be, with smearings of free jazz and tape experimentation.
When they kick up their wiry rhythms, all of the ranting – which taken alone manages to be both sneery and earnest at the same time – becomes less of a lecture and more of a heartfelt outpouring, especially when combined with the more overtly nonsensical stuff like endless repetitions of “YOU’VE GOT BIG HANDS!”. Those rhythms and that shamanic weirdness are why Soft Pink Truth turning anarcho-punk into house worked so well: it was already tripped-out dance music. Together with Hawkwind, who form the opposite pole in the crusty-festy axis, Crass’s music forms a vital current in the British underground and beyond. But records like this stand up on their own, regardless of “significance”.
81. Jon
Lucien
Rashida
[RCA Victor, 1973]
Seventies borderline-mainstream weirdness at its best. According to Jon Lucien himself, “the record company was attempting to package me as a sort of ‘black Sinatra’. Once the white women started to swoon at my performances, their attitudes quickly changed.” Realistically, the Virgin Islands-born American singer was unlikely to ever be a Sinatra, though, thanks mainly to his over-egged “stop all war, let the children be free, man” rhetoric and penchant for massed Brazilian harmonies. The emoting and cheese take a minute to get past on this album, but once you let the Hollywood levels of lavishness in the arrangements wash over you and the omnipresent tropicalia shimmy get into your bones, it’s extraordinarily addictive. Proper silk sheets, big moustache, Seventies playboy seduction music.
80.
Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols
[Virgin, 1977]
Nó đã bị ràng buộc để xảy ra. Vào năm 1977, phong cảnh nhạc rock được phát hiện một cách tự do với những cuộc thám hiểm tiến bộ của Beardy, về nhạc jazz tiên phong, âm nhạc cổ điển và dân gian truyền thống. Nó khá bình thường đối với một ban nhạc để tìm ra một album khái niệm tay cổng được ban phước với loại tác phẩm nghệ thuật giả tưởng tồi tệ mà thậm chí sẽ không trông tuyệt vời khi bạn vẫn còn có màu xanh da trời nhạt trong ngăn kéo đồ lót của bạn, và vì những lý do khá rõ ràng , nó đã phải dừng lại.
Punk là câu trả lời, và bất cứ điều gì bạn nghĩ về đừng bận tâm đến Bollocks & NBSP; và sự va chạm trực diện của nó về SNOT, thời trang và sự coi thường hoàn toàn đối với hệ thống, như năm 1977 cần nó, tuyệt vọng. Phong cách, theo nhiều cách, quan trọng hơn chất này, nhưng ngay cả bây giờ, nó cũng khó nghe ‘trống rỗng hay‘ cơ thể và không muốn tặc lưỡi qua cửa sổ ai đó. Trang phục phù thủy ra, ghim an toàn trong.
799
Organic Music Society
[Caprice, 1972]
Một album đầy tham vọng để nói rằng ít nhất, xã hội âm nhạc hữu cơ, như tiêu đề cho thấy, là một nồi hơi thơm của âm thanh được vẽ từ khắp nơi trên thế giới, được tạo ra từ lâu trước khi bất cứ ai pha chế biểu thức trên thế giới. Một phiên họp lớn, với các nhạc cụ bộ gõ kỳ lạ và các rãnh Afro-Brazil, nó là một trò nghe chói tai-một phần do cách các bản ghi âm khác nhau được hợp nhất bởi anh đào, rút ra từ các phiên mứt studio, bản nhạc một mic và các bản ghi âm. Những điểm nổi bật bao gồm các phiên bản tuyệt vời của Pharoah Sanders '' The Creator có kế hoạch tổng thể ',' Bra Joe từ Kilimanjaro 'và hai tác phẩm Terry Riley, cũng sẽ cho bạn cảm giác về cách thức của một loại cocktail. . Mặc dù có trình tự lập dị, nó vẫn là một sự lắng nghe mạnh mẽ và điện khí hóa, với giai điệu kèn cherry, từ sương mù điếc tai đến sự hay thay đổi dân gian trong cùng một hơi thở.
78. Judee Sill Judee Sill [Asylum, 1971]
Judee Sill
[Asylum, 1971]
Bạn có thể lật một chiếc lá mới, nhưng các blots thể hiện qua. Backstory của Sill-Cựu người nghiện heroin lưu hành và, trong một thời gian, tên cướp ngân hàng-ban đầu có thể không vuông với The Sunkissed Socal Rock của album đầu tay của cô, nhưng lời bài hát của cô, đầy chủ nghĩa thần bí đen tối, rối loạn vũ trụ và những con thú có mắt, Make Judee Bill một sự mơ hồ hơn nhiều - chưa kể đến đề xuất đầy tham vọng -. Tờ bài thơ đôi khi có thể đọc như một vở kịch đam mê, nhưng Sill không không thích như bục giảng trung bình của bạn; Có một vũ trụ học phức tạp, có ý nghĩa hơn được đóng gói vào ‘Crayon Angel, hơn là rất nhiều hành động của Callow được tập trung trong toàn bộ sự nghiệp của họ. Làm lu mờ lịch trình phát hành của Geffen, bởi hai ông lớn, & nbsp; Jackson Browne và Eagles, giờ đây nó được công nhận cho thành tích đó là: một chiến thắng của sự sắp xếp mắt gimlet và tầm nhìn mắt thứ ba, và tuyệt đẹp với nó.
77. Hoàng tử Far Tôi dưới cách cư xử nặng nề [Joe Gibbs Music, 1976]
Under Heavy Manners
[Joe Gibbs Music, 1976]
Năm 1976, Jamaica đang trong tình trạng xáo trộn kinh tế và chính trị, với Thủ tướng Michael Manley tuyên bố tình trạng khẩn cấp. Đưa ra LP này của việc tụng kinh xã hội từ một trong những người theo đạo Jamaica vĩ đại, được giao trong một baritone orotund xâm nhập thẳng vào foramen magnum. & Nbsp; Giọng nói ban ngày. -Thto-Suble chính trị. Và có mở rộng hơn ba phút rưỡi trong danh sách này hơn & nbsp; ‘Rain A Fall,-tôi đã đánh bại những cái bụng ầm ầm và đánh đập xương ức? Trọng lượng hơn!
76. Guru Guru UFO [OHR, 1970]
UFO
[Ohr,
1970]
Đức là một điểm nóng của sự đổi mới trong thập niên 70, và trong khi Guru Guru didn có những thông minh nhịp nhàng sặc sỡ của NEU! Hoặc các cử chỉ rìu lớn của Amon Düül II, họ có rất nhiều thứ để cung cấp cho UFO đầu tay ồn ào, bất kính của họ. So với một số đồng nghiệp của họ, âm thanh của họ đã giáp với những làn sóng guitar giòn, rơi vào và ra khỏi giai điệu rõ ràng và thường được phủ một tấm chăn trắng ảm đạm. Tuy nhiên, đó là âm nhạc thực sự có thể mang đến mô tả về tâm lý của Hồi giáo-loại tài liệu thay đổi tâm trí mà bạn chỉ có thể bắt đầu tách ra sau một phiên tự thuốc nghiêm trọng.
75. Bernard
Parmegiani
De Natura Sonorum
[INA-GRM, 1976]
The landmark electroacoustic album of the decade, De Natura Sonorom trades the snap cuts and sharp edges of much musique concrète for something much more fluent, beguiling, authored. Working from a vast catalogue of sound sources, De Natura Sonorum is a creole of organic sounds and electronic textures. The tracklisting might read like a PhD appendix [‘Natures Éphémères’, ‘Matières Induites’], and Parmegiani’s process might seem off-puttingly forensic [“I placed the sounds as you do letters, one after the other, so as to create forms and sequences”]. But the results – a multi-part symphony, composed from bubbles, balloons and blinking metal boxes – shimmer and beguile. Easily the most out-there record in this rundown, and the one most likely to change the way you listen.
“Ten years ago when I first heard it, I wasn’t ready. I said so at the time, it made no sense; I hadn’t immersed myself enough in the whole spectrum of music enough to understand it, nor did I pay any heed to the context of the record, musical theory or musical evolution for that matter. I hadn’t yet taken the steps that helped make sense of it, sonically, not academically. SoIi left it alone.
“Fast forward to 2012, when my partner in music, Sean Canty, who has done so much to drag me out of the gutters of music, into the world of sonic wonder, forced me to buy an original copy of it, he told me I was ready. He was right, I was ready to hear it, finally, but I wasn’t ready for the feeling of inadequacy that it brought.
“Without fear of upsetting, or cheapening, a lot of musicians working today and in the past, there are more amazing sounds in this one record than in most people’s careers. I mean that wholeheartedly, and sincerely, and I also include myself in that statement. I’ll also state, this is probably the best recorded, excruciatingly exact record you will ever hear in your life.
“There are lots of words bandied around when people are writing or describing music or musicians, especially new music, and those words are now thrift store descriptions, normalised to the point of uselessness, they carry no more weight than normal descriptive terminology. Such terms as genius, amazing, experimental, next-level, astonishing, are all used week in week out to hype, or illuminate another new record or artist. Well, I apologise for most of those reviews, and to the reviewers who’ve used these terms, [and the artists on the receiving end] but those kind of descriptions should be reserved for the very few artists who deserve the actual term artist. Someone who propels their craft far beyond the boundaries most of us never test. To simplify, I’ll steal a line from a comedian I heard in Berlin, talking about Berlin, [though I’m sure it’s been said before elsewhere], “So many artists, so little art”.
“Well, when you hear De Natura Sonorum in the right context, at the right time, it makes everyone else seem fake. Rightfully so, because it is a work of utter genius. I remember phoning Sean the week I digested De Natura Sonorum, all I could say was that it made half of my record collection redundant, there was no going back in some ways.
“There are so many astonishing noises, that you’ve NEVER heard in your life, until you hear Parmegiani. The sounds and execution are alien, in the very sense of the word, it is the best outsider music there ever will be. Every moment is crafted, in the real sense, cut, edited and placed just so. The pieces are sculpted to the nth degree, yet contain so much art and content as to make me feel completely inadequate as a music producer. In some ways, I wish I’d never heard Monsieur Parmegiani, though of course my life is richer for it.
“I hold it as one of the most special records I’ve ever heard, as it has been made by a true master of the craft. Though you shouldn’t take my word for it, remember it won’t make sense, because you’re not ready for it.”
74. Richard Hell & The Voidoids
Blank Generation
[Sire, 1977]
“I was saying let me outta here before I was even born – it’s such a gamble when you get a face!” He’ll go down in history as the guy whose safety-pinned shirts and shock of spiked hair invented the punk look [later “borrowed” by Malcolm McLaren to dress the Sex Pistols], but Richard Hell remains strangely underrated compared to his CBGB peers, chiefly known for just one song – the epochal ‘Blank Generation’. Never much of a player [though he was briefly a member of Television with co-conspirator and fellow teen runaway Tom Verlaine], Hell was the consummate punk rock star; what he lacked in chops he made up for in charisma and spittle, elastic yelps and seedy street poetry – although the secret weapon in the Voidoids’ line-up was the mighty Robert Quine, whose erratic, sinewy guitar lines are a like match to Hell’s gunpowder on highlights like the flawless ‘Love Comes In Spurts’.
73.
Annette Peacock
I’m The One
[RCA Victor, 1972]
Moving in the same professional circles as Albert Ayler, Paul Bley and Salvador Dali, jazz composer/vocalist Annette Peacock threw her lot in with fusion songcraft on I’m The One. Most tracks follow a similar formula, but it’s a good one: treacly grooves topped with wibbling oscillators and Peacock’s histrionic vocals. For much of the record, her voice is squeezed through filters or bitcrushed to buggery; elsewhere, she’s eerily reminiscent of Bowie in full Ziggy Stardust flight [Bowie, incidentally, was a paid-up fan]. Exhilarating cosmic funk, and even after a couple of reissues, still dismally under-appreciated.
72. Fleetwood Mac
Rumours
[Warner Bros, 1977]
You’d think that by now Rumours would be swallowed up by its Behind The Music-sized mythology — all the trauma and drama of the bacchanal-fueled sessions, the disintegrating romantic relationships, or even the damaged tapes — but you’d be wrong. This is the Mac at the height of their powers, perfecting a bend-not-break formula for rock excess [that would eventually fail on Tusk]. Each of the five heads of the chimera have their moment, but this is sum-greater-than-parts material, and more lovesick than ‘Don’t Stop’ would suggest [and even that is about running from the pain of the past]. After its 40 minutes, you’re left just like the band: beaten and battered, tossed around and discarded; haunted by loneliness with nothing to show for it but shattered illusions of love and a silver coke spoon.
“Rumours is the sound of marriages and friendships being put into the grinder and disintegrating right in front of you. As a soap opera it’s interesting, but as an exquisitely-crafted pop album it’s endlessly compelling and unavoidable. That raw fragility, though, is where Rumours thrives. Sonically, Fleetwood Mac are so totally dialed-in that the songs are stripped bare until only the most important elements remain. Stevie Nicks’ voice is impossible to ignore, cementing her place on the Mt. Rushmore of rock vocalists. Captivating arrangements bolster the earworm melodies from Buckingham, Nicks, and Christine McVie, making a lyrically-brutal tune like ‘Go Your Own Way’ into a sing-a-long anthem.
“Their personal lives may have been wrecked, but it was the fuel that pushed Fleetwood Mac from just another pretty good ’70s rock band into the pantheon. Rumours is simply timeless.”
71. Art Ensemble Of Chicago
Les Stances à Sophie
[Universal Sound, 1970]
Inspired by a sojourn in hip and happenin’ ’70s Paris, Les Stances A Sophie finds the Art Ensemble Of Chicago in an unusually charming and chipper mood. “Your fanny’s like two sperm whales / Floating down the Seine”, howls Fontella Bass, peppering the funky breakbeats and clattering brass of enduring anthem ‘Theme De Yoyo’ with unparalleled sass and soulful sensuality. Unique to their catalogue, the album is striking in its marriage – or perhaps more accurately, shotgun wedding – of free jazz and fusion funk grooves, proving that order and chaos really can compliment each other beautifully, if the players are sensitive and skilful enough to pull it off.
70. The Residents
The Third Reich ’n Roll
[Ralph, 1976]
What do you need to know? It’s two side-long mash-ups of mid-century pop cultural references, from ‘Yummy Yummy Yummy I’ve Got Love In My Tummy’ to ‘Hey Jude’, sung in deranged cartoon voices by synth-prodding lunatics with eyeballs and skulls on their heads, with absolute virtuosity blurring with deliberately hamfisted changes, and a constant maniacally-realised military/Nazi theme overlaid on it all. It’s the precursor for everything from The KLF to Matmos, The Church of the SubGenius to The Fall. If, knowing all this, you need to question why it’s on the list, you’re in the wrong place.
69. Sun Ra
Space Is The
Place
[Blue Thumb, 1973]
Sun Ra’s quirky brand of afro-futurism was never really going to conquer the mainstream, but this 1973 album, tied into a trippy blaxploitation film of the same name, was his boldest and best shot at evangelising his outer-space ideology wider than the freaks and dropouts of the jazz underground. Objectively speaking, it’s neither his most challenging nor his most satifying work, but remains enduringly popular – largely down to the hypnotic, spiralling 21 minute long title track, certainly one of the most blistering versions of the song the Arkestra ever committed to record. Flip it over to float along with the astro-nautical travelogue ‘Sea Of Sound’, and finally blast off the cosmic chanting of ‘Rocket Number 9’.
68. Nhiều người khác không ở New York [Antilles, 1978]
No New York
[Antilles, 1978]
Được kết nối bởi vị trí và hiệp hội nhiều hơn bất kỳ điểm tương đồng âm nhạc nào, bốn ban nhạc trên phần tổng hợp không có New York-punk-funker dựa trên sax D.N.A. -Đại diện cho một sự phân ly với bộ sóng mới hợp thời trang tự ý thức, từ chối sự hoàn hảo của Poppy Aperiacy bởi những người đứng đầu, Ramones, Blondie et al để ủng hộ sự trừu tượng, không gian tiêu cực, cấu trúc tháo dỡ và không tốt. Tiền đúc kết quả ‘không có sóng, định nghĩa thêm định nghĩa theo kiểu của họ; Một tiếng yelp hư vô phát ra từ một khu trung tâm rác rưởi vẫn còn nhiều năm nữa phải rời xa yuppization. Được biên soạn bởi Brian Eno [một lần xuất hiện khác trong danh sách của chúng tôi bởi người thay đổi hình dạng âm nhạc Roxy trước đây], album vừa là ảnh chụp nhanh của một cảnh tồn tại trong thời gian ngắn vừa là bản thiết kế cho thập kỷ tiếp theo của Fringe Music, từ John Zorn và Bill Laswell cho thanh niên và thiên nga Sonic.
67. Cuộc cách mạng Gil Scott Heronthe sẽ không được truyền hình [Flying Dutchman, 1974]
The Revolution Will Not Be Televised
[Flying Dutchman, 1974]
Việc tổng hợp sự nghiệp ban đầu với ảnh hưởng lâu dài, cuộc cách mạng sẽ không được truyền hình & NBSP; Đặt bảng cho hip-hop với chủ nghĩa trữ tình proto-rap của bản nhạc chống truyền thông của ca khúc chủ đề và sự kiềm chế Ratatat trên 'No Knock', và truyền cảm hứng cho Neo- Soul A Generation sau đó với sự pha trộn cổ điển của linh hồn, funk và jazz. Scott-Heron đã bù đắp cho những gì anh ta thiếu trong phạm vi với một giọng nói phong phú và lời bài hát gây được tiếng vang đến nỗi những con cá sấu vẫn còn chích qua các loa ngày nay. Anh ta có thể thực hiện mạnh mẽ ['Ngày Lady và John Coltrane'], hoặc thoải mái ['Cứu trẻ em'], hoặc che giấu bình luận xã hội của anh ta với sự hay thay đổi và một kẻ chế nhạo ['Giáo dục giới tính, phong cách ghetto', 'Whitey on the moon'] , hoặc nhắm khẩu pháo hùng biện của mình vào cộng đồng của chính mình ['Anh']. Nhưng mục tiêu sâu sắc nhất của anh ấy là chính anh ấy: Bạn đã bao giờ cố gắng biến linh hồn bệnh hoạn của mình từ trong ra ngoài, anh ấy rên rỉ trên nhà là nơi mà sự thù hận là, vì vậy thế giới mà bạn có thể nhìn bạn chết?
66. Thế giới Basil Kirchin trong Thế giới [Columbia, 1971 / Đảo, 1974]
Worlds Within Worlds
[Columbia, 1971 / Island, 1974]
Con trai của Hull, Kirchin đã có thành công thương mại lớn với ban nhạc lớn của mình The Kirchin Band vào giữa những năm 1950, trước khi chuyển tay sang các bộ phim và phim truyền hình. Thế giới trong thế giới là Magnum Opus của anh, một bộ sưu tập tiên phong của các mảnh tâm trạng điện tử gợi, được phát hành thành hai phần. Gói năm 1971 Hews gần gũi hơn với nhạc jazz miễn phí, với những đóng góp từ những người như Evan Parker và Derek Bailey pha trộn với sự mày mò điện tử của Kirchin. Phần thứ hai năm 1974 là Tripper Affair-nhạc buồng saturnine, được pha trộn với âm thanh được tìm thấy [khỉ đột lẩm bẩm, trẻ em phù thủy, động cơ phản lực] và đẩy sang giới hạn bên ngoài. Kirchin đã đánh hơi về những tác phẩm này khi nhìn lại, tuyên bố nhãn hiệu buộc anh ta phải đưa chúng xuống, nhưng những tác phẩm mờ nhạt, âm u này vẫn nghe hoàn toàn off-road. Nhạc trưởng cho những linh hồn tò mò, và giới thiệu tốt nhất cho một nhà soạn nhạc, người đã phải chờ đợi quá lâu để có được các khoản phí của mình.
65. Thông tin cảm hứng của Shuggie Otis [Epic, 1974]
Inspiration Information
[Epic, 1974]
Một Bloomer muộn, cái này - bị thiệt thòi vào những năm 1970, và cuối cùng đã có một số thời gian nổi bật vào những năm 2000 với một bản phát hành lại chính trên nhãn David Byrne, Luaka Bop. Với những thông tin cảm hứng, thông tin và ‘thư dâu tây 23, [từ Freedom Flight] Now Coke Advert / Wedding Dance Fodder, thật kỳ lạ khi nghĩ rằng album thứ tư và hay nhất của Otis đã được để thu thập mạng nhện trong nhiều thập kỷ. Nó là một bộ sưu tập buồn ngủ tuyệt vời & nbsp; của tâm hồn ảo giác tự sản xuất, đầy những khởi sắc gọn gàng: xem funk ánh sáng chói lọi của ‘Happy House, cỗ máy trống rỗng của‘ XL-30, và Waltztime Interlude. Và sau đó, có một vấn đề nhỏ của ‘aht uh mi head, trong đó quản lý để âm thanh Lush & nbsp; và & nbsp; Dozy
64. Lou Reed Live: Không có tù nhân [Arista, 1978]
Live: Take No Prisoners
[Arista, 1978]
Berlin may be his masterpiece, and Transformer the gateway drug, but no record sums up Lou Reed’s 1970s output better than Take No Prisoners, a live album recorded at New York’s Bottom Line in 1978. At this point, Reed was a veteran on his eighth album, but still sharp-as-a-pin and thoroughly in love with his own barbaric persona and acid tongue. Opening with a sprawling ‘Sweet Jane’ and skronking sax-enhanced ‘I Wanna Be Black’, the rock’n’roll animal is on unstoppable form in the ad lib department, delivering virtually every line with a quick-witted addendum or off-the-cuff aphorism, taking particular delight in laying into critics and celebrities [Robert Christgau gets it in the neck, as does Barbra Streisand]. By the second half things are delirious to the point of absurd, with ‘Street Hassle”s junkie death spoken word section delivered like a healing hands sermon – and that’s before the quarter-hour version of ‘Walk On The Wild Side’. “It’s not only the smartest thing I’ve done, it’s also as close to Lou Reed as you’re probably going to get, for better or for worse,” as he told Rolling Stone that year.
63. Caetano Veloso
Caetano Veloso
[Polygram, 1971]
Or, wallow with Caetano. As the biggest name in the Tropicalismo movement of the late 1960s, Veloso became something of a national talisman to a Brazil struggling under military rule. Recorded during his forced exile in London, Caetano Veloso – known as A Little More Blue to distinguish it from his other self-titled albums – is a stark contrast with the swingin’ burlesque of his 1968 debut and its more nuanced 1969 follow-up. Instead, it’s a downbeat exploration of marginalisation – explicitly Veloso’s disconnect from his homeland, but one with equal resonance for the heartbroken or the downtrodden.
Touches of the quirkiness of old are present – UFOs, Faustian pacts, the glossolalia solos on ‘Maria Bethânia’ and ‘Asa Branca’ – but this is Veloso at his most restrained and plaintive. That voice, sweet as nectarine but loaded with sorrow, carries some gorgeous originals [‘A Little More Blue’, ‘London, London’]. We nearly plumped for Veloso’s wildly experimental 1972 LP Araçá Azul, but, in the end, we couldn’t deny Veloso’s most affecting record – 35 minutes of wistfulness on wax.
62. David Bowie
The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars
[RCA Victor, 1972]
Davie Jones had to become Ziggy Stardust before he truly became David Bowie. The distillation of his hard rock turn on The Man Who Sold The World and the artfulness, androgyny and ambiguity of Hunky Dory, Ziggy Stardust was Bowie cribbing from his inspirational contemporaries [Iggy Pop, Lou Reed, Marc Bolan] and creating something entirely new: a meta examination of The Rock Star itself. The album’s lasting influence can’t be understated: anyone exploring alienation, dystopia, messianic salvation and the nature of celebrity owes their livelihood to Bowie, from Prince and Marilyn Manson to Lady Gaga and Lana Del Rey. Musically and stylistically, Ziggy Stardust would influence punk and hair metal, the New Romantics and the New Wavers, and — in a strange feedback loop — would inspire some of Iggy Pop and Lou Reed’s greatest music.
61. Conrad Schnitzler
Rot
[Self-released, 1973]
Conrad Schnitzler had his fingers in a lot of pies – an original member of both Tangerine Dream [with Klaus Schulze and Edgar Froese] and Kluster [with Hans-Joachim Roedelius and Dieter Moebius], he found himself at the center of German electronic music in the 1970s, whether he liked it or not. You see he never regarded himself as a musician, rather as an artist in the grander sense, who just happened to work in a variety of different disciplines.
Rot was his first solo album, and saw him ditch the quirky sound-art of his prior work [with Kluster, especially] in favour of two extended compositions for the EMS Synthi. These pioneering pieces set a high water mark for electronic music – seemingly formless and improvised, careful listening reveals overlays of rhythm, harmony and even melody. It’s hardly easy listening, but Rot’s alienating synthetic tones are fascinating and even, at times, beautiful.
60. Flower Travellin’ Band
Satori
[Atlantic, 1971]
Ecstatic Japrock crunch, and easily one of the most underrated hard rock records of the early 1970s. The Flower Travellin’ Band started life as a covers act in the late 1960s, spreading the gospel of Cream and Jefferson Airplane around Tokyo. Five odd years later, they’d made Satori – an album which out-wigs many of their forbears, and stands toe-to-toe with Sabbath and Led Zep. Hideki Ishima’s feverish guitar-playing is full of clever psychedelic flourishes, but, really, this is all muscle – an impressive exercise in heavy rock flexion. The word “satori” refers to a moment of catharsis, and vocalist Joe Yamanaka sounds like he’s having a couple per track [we’ll take his banshee wail over Robert Plant’s double-barrelled cringe assault any day, incidentally].
59. Những người yêu hiện đại ’sống [Beserkley Records, 1977]
‘Live’
[Beserkley Records, 1977]
Jonathan Richman có thể không phải là hành động có ảnh hưởng nhất của thập kỷ, nhưng anh ấy là một trong số ít người có ảnh hưởng không một lần mà là hai lần-đầu tiên, với những bản thu âm đầu tiên của những người yêu thích hiện đại ['Roadrunner', một người nổi bật từ bản demo phát hành muộn màng Bộ sưu tập & nbsp; Những người yêu hiện đại, là một khẩu súng lục tình dục được yêu thích], và sau đó với tảng đá ngây thơ, nhẹ nhàng mà anh ta theo đuổi trong nửa sau của thập niên 70.
Những người yêu thích hiện đại 2.0 ủng hộ sự thân mật hơn cường độ, tôn vinh sự tinh tế của cuộc sống ngoại ô và sử dụng hình ảnh trẻ con để gợi lên nỗi nhớ, và họ không bao giờ bị thu hút hơn so với các bản ghi âm trực tiếp của họ. 'Live', nói một cách dễ hiểu, đã được phát hành lại nhiều hơn nhiều trong các album phòng thu của nhóm, với các bài hát được yêu thích nhất của những người yêu Phiên bản của 'Ice Cream Man' đóng bên A và một bản tái hiện ấm áp của 'Buổi sáng của cuộc đời chúng ta' trên lật.
58. AR & Machines Echo [Polydor, 1972]
Echo
[Polydor, 1972]
Bây giờ có một tiêu đề làm những gì nó nói trên hộp thiếc. Sau khi đứng trước The Rattles, Đức, ra mắt combo đã đánh bại Đức, vào giữa những năm 1960, Achim Reichel bằng cách nào đó đã tìm được con đường của mình đến album dài, đầu cơ, sâu thẳm của đầu tiên. Thiên tài AR AR là để làm tất cả mọi thứ trong Echo, những gì có thể là một bộ sưu tập kép prog hoàn toàn có thể phục vụ trở thành một thứ gì đó kỳ lạ và lưỡng cư hơn nhiều. ‘Einladung, tiền định của Ariel Pink và Gary War, Hispter Swampsong; Das Echo der Vergangenheit, sụp đổ thành một mớ hỗn độn của lời nói, sau đó xuất hiện từ sự hỗn loạn, giống như Phoenix, như một mảnh máy bay không người lái môi trường. Yên lên túi đậu của bạn, khách du lịchwhat might have been a perfectly serviceable collection of prog jams becomes something much more exotic and amphibian.
‘Einladung’ prefigures Ariel Pink and Gary War’s hispter swampsong; ‘Das Echo Der Vergangenheit’ collapses into a mess of spoken word, then emerges from the chaos, phoenix-like, as an ambient drone piece. Four decades on, it’s achieved a second life as something of a chill-out staple. Saddle up thy beanbag, traveller…
57. Ngón tay nhỏ cứng Vật liệu dễ cháy [EMI, 1979]
Inflammable Material
[EMI, 1979]
Nổi bật, mang tính biểu tượng và đúng một lượng Ragged - và đó chỉ là album nghệ thuật. Như & nbsp; bìa tài liệu dễ cháy, album đầu tay của những ngón tay nhỏ cứng nhắc có sự cân bằng giữa kiểu dáng đẹp và scruffy ở đâu đó giữa Hoa Kỳ và Vương quốc Anh: vâng, nhóm đến từ Belfast và chủ yếu viết về các vấn đề của Belfast, nhưng twang của 'ở đây Chúng tôi không ở đâu 'và' dây thép tình yêu 'nằm gọn gàng bên cạnh cả hai nhóm nhạc punk của những năm 70 và sau này như Minutemen. Sau đó, điều tốt nhất của cả hai thế giới, mặc dù cố gắng nói rằng với ủy viên hội đồng đã khiến họ cấm họ chơi Newcastle sau khi nghe - và hoàn toàn hiểu sai - ‘White Noise.
56. Harold Budd The Pavilion of Dreams [Editions EG, 1978]
The Pavilion Of Dreams
[Editions EG, 1978]
Thành tích đăng quang của Harold Budd, gian hàng của những giấc mơ & nbsp; đại diện cho một cột mốc quan trọng trong những gì nhiều người muốn gọi là âm nhạc của New New Age. Trên thực tế, nó có bất cứ điều gì nhưng - chính bạn khét tiếng coi thường thuật ngữ này và nó không khó để nghe tại sao. Các tác phẩm của anh ấy nhẹ nhàng và thoáng mát, nhưng phức tạp và quyết định tốt, và trong khi gian hàng của Dreams & NBSP; không nhất thiết phải là một thành công thương mại lớn, thì tập hợp các tác phẩm không trọng lượng của nó vẫn có ảnh hưởng vô cùng.
Chẳng hạn, cặp song sinh của Cocteau đã rất thích thú với trung tâm của album 'Madrigals of the Rose Angel' đến nỗi, sau khi yêu cầu bản quyền ghi lại phiên bản trang bìa, họ bắt đầu sự hợp tác lâu dài và hiệu quả - Robin Guthrie và Budd vẫn đang sáng tác hôm nay. Âm nhạc xung quanh [nếu bạn thậm chí có thể dán nhãn cho nó], không bao giờ nghe khá giống nhau nữa.
55. Faust The Faust Tapes [Virgin, 1973]
The Faust Tapes
[Virgin, 1973]
Vẫn còn khét tiếng nhất khi được bán với giá của một [50p - đó là những ngày], Faust Tapes & NBSP; khiến hầu hết mọi người đã mua nó, điều này không thể tin được là 50.000 người mua sắm tốt. Những người hâm mộ ban nhạc đã đấu tranh để nắm bắt thực tế là họ đã bỏ các yếu tố krautrock chunky trong các bản thu âm trước đó của họ, và những người nghe mới [chúng ta hãy thành thật, đã tạo nên phần lớn doanh số] như phi nhạc.
40 năm sau, nó vẫn nghe có vẻ bonkers, và đó thực sự là sự quyến rũ. Một phần lý do nó nghe theo cách của nó là tùy thuộc vào quá trình. Để đánh dấu thỏa thuận thu âm Virgin Virgin, một trong những kỹ thuật viên của nhãn hiệu đã tập hợp một loạt các bản nhạc được loại bỏ từ các phiên ghi âm riêng của ban nhạc, và thiết kế nó thành một ảnh ghép kỳ quặc. Kết quả là một trong những hồ sơ kỳ lạ nhất để xâm chiếm nhà của công chúng nghe người Anh, và trong khi rất nhiều LPS không nghi ngờ gì đã được trả lại cho cửa hàng [hoặc đổ trong một cửa hàng từ thiện] sau một lần chơi, hạt giống của một âm thanh thực sự vô chính phủ và thách thức chắc chắn đã được gieo.
54. U-Roy Dread trong Babylon [Virgin, 1975]
Dread In A
Babylon
[Virgin, 1975]
Ôi trời, không có gì tệ hơn các cuộc thảo luận về reggae cổ điển đầy những trò đùa sành điệu, nhưng không có cách nào khác để tiếp cận U-Roy: người đàn ông này, đặc biệt là trong album này, chỉ đơn giản là một sự nhân cách hóa cần sa. Cách mà giọng nói của anh ấy xoay qua lại từ thô ráp đến mịn màng, từ vỏ cây đến croon đến scatting tinh tế, gần như đủ để cho bạn một liên hệ cao - và cách tình yêu, tình dục, tức giận, hiếu chiến, dịu dàng, cách mạng và phát âm tâm linh Bị mờ cùng nhau trong lời bài hát của anh ấy thành một món hầm của nỗi ám ảnh đáng sợ mà không có ranh giới có thể khiến đầu bạn quay cuồng. Nó hoàn toàn bối rối và phù hợp nhưng được giao với sự chắc chắn thô lỗ không thể thay đổi như vậy, và được tổ chức với nhau bởi sản xuất dubwise vững chắc như vậy, nó có cảm giác như nó có ý nghĩa. Mặc dù vậy, nó không có, nhưng đó là vẻ đẹp của nó.
53. Holdson Helson 6 / Giao diện [Cobra, 1977]
Heldon 6 / Interface
[Cobra, 1977]
Một trong những người nổi tiếng của đá Pháp thử nghiệm, Richard Pinhas đã đưa ra bảy album của Prog được hỗ trợ điện tử với Holdson từ 1974-1977. Nó có một bước chạy nhỏ khác nhau, từ Dreaminess của Robert Fripp-Besotted [Helson II] đến mờ đục trong đó các thiết bị điện tử thủ công của Moog [Heldon V]. Theo tiêu đề, giao diện là điểm mà các sở thích khác nhau của Pinhas gặp nhau một cách hạnh phúc nhất-nhìn chằm chằm vào mức tối thiểu và phòng động cơ điện tử đang hoạt động ở mức độ quyết liệt. Ở mức tốt nhất của nó [các squelch điện tử phi phi nước đại của các bản nhạc ‘SoupCoupes Volantes, giao diện Knuckle-Dragger, giao diện pt. 2,] thực sự rất phấn khích. Hồ sơ cùng với một người đàn ông bruiser điện khác của Pháp từ cùng năm, tầm nhìn của Dune Zed.
52. Stevie Wonder Innervutions [Tamla, 1973]
Innervisions
[Tamla, 1973]
Thập kỷ, nhạc sĩ nhạc pop có ảnh hưởng và quan trọng nhất của thập kỷ, thật khó khăn khi chỉ chọn một trong những album từ Stevie Wonder, thời kỳ kinh điển vô song. Nhưng sự tồn tại & nbsp; là một tuyên bố nghệ thuật sâu rộng: cá nhân và chính trị, trang trọng và ăn mừng, và một album không có nhà kiếm tiền tệ mà anh ấy [gần như theo nghĩa đen] làm mọi thứ. Có những chính trị chống lại thuốc và Nixon, những bản ballad vạn hoa và những bài hát ru ảm đạm, và bạn bắt đầu với những người độc thân ở đâu? Sống cho Golden City, là một sử thi bảy người, nơi anh chơi mọi nhạc cụ và hát với cường độ đốt cháy cổ họng về quan hệ chủng tộc ở Mỹ; Các hương vị salsa ‘don lồng bạn lo lắng về một điều mà một điều khó hiểu về các tiểu phẩm rap pha chế trò chơi; Và sự không thể cưỡng lại ‘Ground Ground cao hơn đến nỗi nó đã giúp vượt qua hôn mê đến nỗi anh ta rơi vào vài ngày sau khi phát hành album. Thiên tài thuần túy.
51.
Chance Meeting on a Dissecting Table of a Sewing Machine and an Umbrella
[United Dairies, 1979]
Tất cả các bối cảnh tuyệt vời là với NWW-học bổng của họ về Avant-garde, tiêu đề album có nguồn gốc từ nhà thơ proto-sureralist Isidore-Lucien Ducasse aka Comte de Lautréamont, tác phẩm nghệ thuật ngoài khơi-bạn không cần bất kỳ tác phẩm nghệ thuật nào không cần Nó, hoặc bất kỳ kiến thức nền tảng nào, để có được âm nhạc kỳ lạ. Đàn guitar rít lên, máy bay không người lái, trò chơi với tỷ lệ và hồi âm, tất cả đều được trừu tượng hóa hoàn toàn, nó không cần các điểm tham chiếu nào cả - nó thực sự gần với một loại thuốc hơn bất kỳ hình thức âm nhạc nào được chấp nhận thực sự, vì vậy nó trực tiếp làm bạn thất vọng, và vì vậy Khó là liên quan đến bất kỳ loại kinh nghiệm trích dẫn. Nếu bạn từng thấy mình trong tình trạng bất mãn với các thể loại và cảnh, nếu bạn cảm thấy bị xáo trộn, trượt tuyết hoặc g thit với âm nhạc, & nbsp; đây chính xác là sự bồi dưỡng mà bạn cần: quay trở lại với bộ phim truyền hình mạnh mẽ độc đáo này của album, Và bạn sẽ thấy thị hiếu của bạn được trẻ hóa.
50.
The Specials
[2-Tone Records, 1979]
Xuất khẩu tốt nhất của Coventry có thời gian hoàn hảo. Đến một khoảnh khắc bùng nổ trong lịch sử xã hội của Anh, với các oiks cực hữu đang phát triển và xông vào punk với các bài hát sân thượng và sự giả tạo của họ, những bản vá và máu, đặc biệt chạy trên một chiếc vé chống phân biệt chủng tộc, chống lại rõ ràng , giới thiệu Ska người Jamaica yêu dấu của họ vào milieu punk và tập hợp toàn bộ văn hóa nhóm dưới biểu ngữ 2 tông màu.
Nhiều bản nhạc trong lần ra mắt của họ là những bản cover đầy đủ, đầy đồng [bao gồm 'Khỉ Man', 'Too Hot' và 'Một thông điệp cho bạn Rudy', được đưa ra sự chấp thuận của người chơi Trombonist Rico Rodriguez của Skatalites], nhưng Những bài hát tự viết của họ cung cấp một sự tức giận quan trọng của sự tức giận, ghi lại thế giới dour, đậu cho đến nay Hãy nghĩ rằng cô ấy sẽ hạnh phúc khi cô ấy đi chơi tã lót] và 'Nite Klub' [Tôi sẽ không nhảy trong một câu lạc bộ như thế này / Tất cả các cô gái đều là xỉ và bia có vị giống như Piss. .
49. Tangerine Dream Phaedra [Virgin, 1974]
Phaedra
[Virgin, 1974]
Tangerine Dream, các album trước đó có thể đã thử nghiệm hơn, nhưng Phaedra & NBSP; đã đánh dấu một điểm trong sự nghiệp của ban nhạc Đức sẽ thấy họ ảnh hưởng đến nhiều thế hệ ám ảnh tổng hợp mắt rộng. Đó là sự bao gồm của người sắp xếp Moog Christopher Franke, đã kéo Tangerine Dream theo một hướng khác, và các mô hình thôi miên, lặp đi lặp lại mà nó tạo ra không chỉ gây ra sự thay đổi trong âm thanh của chính ban nhạc, mà nói chung trong âm nhạc điện tử.
Trên Phaedra & nbsp; chúng ta có thể nghe thấy một ban nhạc nằm trên xu hướng thử nghiệm của họ và mong muốn của họ về sự thừa nhận thương mại hơn - và đối với nhiều người hâm mộ, nó đại diện cho sự khởi đầu của sự kết thúc. Các album theo sau [đặc biệt là RubyCon] cũng đáng để lấy, nhưng ban nhạc không bao giờ đóng đinh một sự va chạm hoàn hảo như vậy về sự hòa hợp và bất hòa như vậy.
48. Joni Mitchell The Russ of Summer Lawns [Asylum, 1975]
The Hissing
of Summer Lawns
[Asylum, 1975]
Có một giá của mục nhập vào cái này. Bạn phải chấp nhận hợp nhất nhạc jazz, và bạn phải chấp nhận lời bài thơ thập niên 70 phản ánh văn học cực kỳ đậm đặc, và đây không phải là những điều không dễ làm, đặc biệt là nếu bạn thích âm nhạc ngay lập tức trong tác động của nó. Nhưng sau đó, bằng cách nào đó, một khi bạn cuối cùng đã phá vỡ bề mặt bóng loáng đó, nghịch lý là bạn nhận ra rằng đây là một album ngay lập tức, và nó cũng thực sự là thế giới tránh xa bất kỳ nội tâm Fusion Noodle hoặc ME tiêu chuẩn nào. Và tất nhiên lý do cho điều này là Joni là một trong những tính cách mạnh mẽ nhất trong tất cả các bản nhạc sau thập niên 60, chưa kể đến những nhạc sĩ mạnh nhất. Dylan? Neil Young? Bollocks - Joni ăn tất cả cho bữa sáng. Và một khi bạn để mình vào trong rít lên, bạn nhận ra nó không chỉ là kiệt tác của cô ấy, mà là một trong những kiệt tác của cả một thế hệ. Nó có dân gian, jazz, linh hồn, sân khấu; Nó là một bức tranh, nó là một bài thơ, nó là một cuốn tiểu thuyết tuyệt vời của Mỹ, nó là một vở nhạc kịch và nó là một album thực sự, thực sự hay.
47. La Düsseldorf La Düsseldorf [Nova, 1976]
La Düsseldorf
[Nova, 1976]
Nổi tiếng với tên gọi nhạc nền của thập niên tám mươi của Bowie, La Düsseldorf là một trong những hành động dễ tiếp cận và thành công nhất của Krautrock. Ban đầu được hình thành như một NEU! Dự án phụ của anh em Klaus và Thomas Dinger, & nbsp; La Düsseldorf trở thành trọng tâm của họ sau NEU! đã bị phá vỡ sau khi sửa chữa vào năm 1975 [một số bản nhạc trong album cuối cùng của nhóm được thực sự được thực hiện dưới dạng NEU! -LA Düsseldorf]. Klaus đã thả trống của mình để trau dồi guitar của mình-bằng cách thừa nhận của chính mình, thúc đẩy âm thanh popper trong quá trình-& nbsp; và thường là trò chơi guitar của anh ấy, tạo ra một động cơ đáng tin Nửa đầu của album, và trôi vào và tập trung vào 'Silver Cloud'. Kết thúc theo dõi ‘Thời gian, trong khi đó, kết hợp Guile và vĩ đại theo những cách mà Pink Floyd chỉ có thể mơ ước.
46. Funkadelic Maggot Brain [Westbound, 1971]
Maggot Brain
[Westbound, 1971]
Chết ’Chim miễn phí: Thế giới sẽ là một nơi tốt hơn nếu các Knuckleheads được yêu cầu‘ Maggot Brain, thay vào đó? Khi truyền thuyết diễn ra, trong một phiên ghi âm đầy axit, George Clinton đã chỉ thị cho Eddie Hazel tưởng tượng rằng anh ta đã nói với mẹ mình đã chết, nhưng sau đó nói rằng cô còn sống. Apocryphal hay không, vì sự u sầu và mất mát tàn khốc của solo nhường chỗ cho sự điên cuồng mờ nhạt, nó không thể không vung nó lên một cơn đột quỵ của thiên tài số ít của George Clinton. Mặc dù ca khúc chủ đề đáng giá của việc nhập học một mình, Funkadelic đã không dừng lại ở đó, hãy làm lại bài hát chia tay R & B của Nghị viện 'What You Were Grow' thành The Blown-Out, ảnh hưởng Tin Mừng 'Bạn có thể nhận được điều đó' , đặt xuống một bài quốc ca Funk-rock cổ điển trong 'Hit It và bỏ nó', và viện dẫn tinh thần của Hendrix trên 'Siêu ngu ngốc'. Rõ ràng là không bao giờ ngại ngùng trước những vần điệu dân gian kỳ lạ, đen đã tìm thấy cuộc sống mới trên rãnh bị trói thấp của những người bạn ngày càng bị biến dạng 'bạn và những người bạn, tôi và mọi người của tôi, cảm giác tốt đẹp' trở lại trong tâm trí chúng ta ' Một đàn hạc hàm đàn hồi, và 'Wars of Armageddon' đảm nhận cuộc cách mạng tình dục và quyền công dân với một bonanza phát hiện hỗn loạn.
Despite owning the album for ten years, I have listened to the other tracks on the LP at most five times, in contrast to the thousands of hours that I have spent listening to the instrumentation accompanying Eddie Hazel’s heart stabbing guitar solo appear and disappear, as if the other musicians had walked into their living room and found their parents yelling, at each other’s throats, drowning in hatred, sorrow and love, the consequence of infidelity or perhaps the unbearable loss of a loved one – and then quietly, so as not to be heard, crept away to a safe distance so that they could hear only the muted tone of painful screamed words, the precise meaning lost somewhere in an opaque sea of a melancholy and beautiful uncertainty. ”
45. New York Dolls
New York Dolls
[Mercury, 1973]
The New York Dolls were a motley crew of outer-borough troublemakers that made Manhattan their playground, and they tore down the studious bloat of progressive rock with a sloppy kiss and a knowing wink. The Dolls swallowed influences like a handful of pills: rehashed rock’n’roll riffs a la Chuck Berry and The Stones, metallic proto-punk overdrive from MC5 and The Stooges, the androgynous glam of Lou Reed, lower Manhattan drag queen ferocity, girl group pop melodies… everything all the time, pushed to the breaking point. The job of harnessing the band for their self-titled debut fell to the somewhat-unlikely Todd Rundgren, who somehow managed to hold it all together, capturing their hot transvestite mess of a stage show on tape.
Johnny Thunders and Sylvain Sylvain’s guitars still sounded like lawnmowers [as an infamous review maintained], Jerry Nolan and Arthur Kane managed to ride the rails and David Johansen is particularly unhinged, prowling like a street-walking cheetah with a hide full of napalm: “And you’re a prima ballerina on a spring afternoon,” he sneers on signature tune ‘Personality Crisis’, “Change on into the wolfman howlin’ at the moon, ohwooo.” The Mercer Arts Center where the Dolls made their name would collapse a week after the album’s release, and the band themselves would implode after the next album, but the damage was already done.
44. John Carpenter
Assault on Precinct 13
[film released 1976]
John Carpenter’s Assault on Precinct 13 soundtrack might have only been available as a bootleg until the mid-’00s, but its influence and reach went far beyond its availability. Carpenter’s sparse, minimal score was partly that way because of the limitations of the complicated technology, but it not only worked well in context with his eerie thriller, but also on its own, where the theme slowly began to take on a life of its own.
Not only did it end up being sampled by Afrika Bambaataa [on ’86’s ‘Bambaataa’s Theme’], but Bomb the Bass used it as the framework for their 1988 hit ‘Megablast’. This in turn ended up being used as the theme for ’89 Commodore Amiga game Xenon 2, and soon a generation of children would know Carpenter’s theme well enough to hum the lead synth line, but still couldn’t go out and purchase the soundtrack legally.
“I was born in 1974, so I don’t remember much of those days anyway, but when I play the Assault on Precinct 13 2003 Compact Disc [as I do pretty much every day of life], I’m reminded of not just how grim/nihilistic/sexy the 1970s were, but also that if John Carpenter had flopped with Halloween two years later, he could’ve had a glorious career as a composer. Mandatory listening, kids. Really, mandatory.”
43.
Robert Ashley
Automatic Writing
[1979, Lovely Music]
Influenced by his own problems with a mild form of Tourette’s Syndrome, avant garde composer Ashley decided to compose a piece of music that would act as an exploration of involuntary speech, and it took him five years of experimentation to do it. While his Tourette’s would break up his speech regularly, his attempts at recording it kept failing – he felt as if he had too much control, and was actually simply faking the outbursts rather than allowing them to happen normally. To achieve a proper recording, he eventually decided to perform the session in Summer, when Mills College [where he worked] would be empty, and Automatic Writing was born.
Nó có một bản ghi âm mà, trong khi mang nhiều dấu hiệu của các bản thu âm xung quanh của Brian Eno, là bất cứ điều gì ngoại trừ nhạc nền. Thay vào đó, đó là những bản ghi âm khác nhau của nhạc nền được trộn lẫn với nhau, được hướng dẫn bởi giọng nói hầu như không có gì đáng kể của chính Ashley. Nghe có vẻ gần như xa lạ, giống như một loạt các lần truyền xa được pha trộn thành một món súp hài hòa, và sức hấp dẫn của nó là không thể tránh khỏi.
Mỗi giọng nói [ngoài bản dịch] hoạt động bên ngoài ảnh hưởng của các giọng nói khác, nhưng có một sự đồng bộ và cân bằng kỳ lạ trong suốt quá trình ghi âm. Những giọng nói khác nhau dệt vào và ra khỏi các yếu tố khác của nhau, biến mất sự chú ý của bạn. Bạn quên bạn nghe nhạc. Bạn tự hỏi bản ghi âm là những người hàng xóm của bạn đang chơi hay nếu âm thanh của đường phố được khuếch đại bằng cách nào đó, nó bắt đầu cảm thấy như âm thanh đang thấm qua các bảng sàn và từ từ xâm nhập DNA của bạn. Không có gì về tác phẩm này có ý nghĩa và nó một cách thăng hoa một loại điên rồ và hấp dẫn mà không có nghệ sĩ nào khác thậm chí còn tiến gần đến tài liệu.
42. Các khe cắt [Antilles, 1979]
Cut
[Antilles, 1979]
The Slits là những cựu chiến binh theo tiêu chuẩn punk khi album đầu tay của họ cuối cùng đã xuất hiện, đã hỗ trợ cuộc đụng độ trong chuyến đi chống bạo loạn White năm 1977 của họ và cung cấp hai phiên slapdash Peel thú vị mà người đàn ông vĩ đại coi là ma thuật. Vào thời điểm họ lên sân tại một trang trại ở Surrey để ghi lại, họ đã mất một thành viên [Palmolive, người đã đi gia nhập Raincoats và được thay thế bằng tay trống Bansshees trong tương lai] và có được một bàn tay hướng dẫn quan trọng trong hình dạng của Nhà sản xuất Dennis Bovell, người có chuyên môn của Dub và Reggae với thị hiếu của họ và giúp nuôi dưỡng hành động cân bằng tuyệt vời của Cut giữa các cơn sốt, năng lượng metroonomic và các rãnh rộng rãi, trơn trượt. Ca sĩ tuổi teen Ari up cements thái độ DIY không có tiếng vang với những trill và tiếng rên rỉ quanh co, giọng nói kỳ lạ của người Đức-người Anh-tiếng Anh của cô ấy khuyến khích chúng tôi làm một người chạy bộ! Sau khi ăn cắp từ một người trẻ con của người Hồi giáo [’mua sắm, hay chế giễu những nỗi ám ảnh của các cô gái với các điểm, chất béo và mùi tự nhiên, [các cô gái điển hình]. Vui tươi và man rợ, đối đầu và mâu thuẫn, cắt vẫn còn hoang dã và chưa được đặt khi những người quản lý đầy bùn nhìn chằm chằm chúng tôi xuống tay áo.
41. Khoa học khoa học Ornette Coleman [Columbia, 1971]
Science Fiction
[Columbia, 1971]
Tiêu đề là hoàn hảo ở đây. Thậm chí còn hơn cả Sun Ra-nơi hình ảnh khoa học viễn tưởng được tranh giành cùng với huyền thoại, vũ trụ và cổ đại-Ornette Coleman, Skronk nghe có vẻ tương lai. Độ chính xác và phức tạp của mỗi công trình trong album này hoàn toàn gây khó chịu, nhịp điệu dường như là không thể của con người, và sự căng thẳng mà họ đã khóa lại với nhau. Đây là Jazz cảm thấy gần với Autechre như Louis Armstrong. Tuy nhiên, điều đó cũng có thể nghe được một cách kỳ lạ, với mỗi bản nhạc thế giới đặc biệt của riêng mình, chơi độ chính xác phù hợp với các cấu trúc bài hát và sẵn sàng kết hợp các âm thanh dân túy và dễ nhận biết-vì vậy cũng có bộ lọc điện được lọc Linh hồn của các bài hát theo dõi 'lý do gì tôi có thể đưa ra' và 'tất cả cuộc sống của tôi', và bebop thẳng thắn của 'những năm luật' tất cả được đưa vào câu chuyện khoa học viễn tưởng.
40. Cờ màu hồng [Harvest, 1977]
Pink Flag
[Harvest, 1977]
Cờ hồng xuất hiện trong cùng năm với đĩa đơn đầu tiên của Clash. Nó có một cách giải quyết theo thời gian, dường như nhầm lẫn trong album của album là một bản thu âm sau tinh túy, nhưng dây được tạo ra ở trường nghệ thuật luôn chạy trên một chiếc đồng hồ khác. Càng lớn tuổi và tham vọng hơn những đứa trẻ hợm hĩnh trong những chiếc ghim an toàn xung quanh chúng, họ đã bù đắp cho sự thiếu đào tạo âm nhạc của chính họ với một bản nhạc rock and roll được làm giàu về mặt học thuật, khiến chúng trở thành một trò chơi nhạc punk có ý thức nhất của Anh. Lần đầu tiên của họ chứa 21 ý tưởng trên 21 Songbursts Rapidfire, mỗi bài hát kéo dài, chọc, đùa giỡn và loại bỏ ngay khi nó được coi là kiệt sức - một quá trình thường mất ít hơn hai phút. Nhưng phương pháp khô của dây không bao giờ cản trở một đoạn riff sắc bén hoặc một cái móc không khí, và cuộc hôn nhân của Pink Flag về trí thức mặc beret và taut, sự đơn giản pop sinewy đánh dấu nó là duy nhất trong số những người thân của nó và giúp đặt ra Nền tảng cho thế hệ punk và Hardcore tiếp theo.
39. Dadawah Hòa bình và Tình yêu - Wadadasow [hoa hoang dã, 1974]
Peace
And Love – Wadadasow
[Wild Flower, 1974]
Điều này là tuyệt vời cho một vài lý do. Đầu tiên và rõ ràng nhất, bốn tác phẩm dài dựa trên Niyabinghi tụng kinh và bộ gõ - âm thanh tương tự đã truyền cảm hứng cho ban nhạc London Cymande, và sau đó là phần đầu của châu Phi hùng mạnh - là âm nhạc sùng đạo tinh khiết, chân thành. Và giống như âm nhạc sùng kính hay nhất, cho dù đó là phúc âm, ragas, qawwali hay một khối bach, bạn không cần phải chia sẻ một hệ thống niềm tin hoặc thậm chí là từ xa tâm linh để tiếp thu và đánh giá cao sự thôi miên/suy ngẫm và cảm giác sâu sắc phẩm chất của âm thanh. Mặc dù vậy, đây là một chỉ số tuyệt vời về sự đa dạng của âm nhạc Jamaica đầu những năm 1970. Lloyd Charmers, nhà sản xuất mang đến cho toàn bộ hồ sơ một ánh sáng ấm áp và cảm giác siêu phàm về quy mô siêu phàm, là hạnh phúc khi làm việc với các bài hát pop truyền linh hồn [bao gồm một số sẽ xuất hiện cao hơn biểu đồ này], hoặc các bài hát xấc xược sâu sắc của anh ấy, như trên những phản xạ Rasta sâu sắc và dữ dội này; Các chủ đề khác nhau không quá xa nhau.
38. Cerrone Cerrone 3: Supernature [Malligator, 1977]
Cerrone 3: Supernature
[Malligator, 1977]
Bên cạnh bản cover của nó là một chiếc disco nổi tiếng của người Pháp được đánh bại một cách đáng lo ngại nhất từ trước đến nay, album này là một minh họa tốt như bất kỳ nghệ thuật cao cấp nào của vũ trường. 'Hãy cho tôi tình yêu' và 'Tình yêu là câu trả lời' có cấu trúc tuyệt vời, với những chuỗi thực sự và âm thanh synth nhân tạo một cách khó hiểu phát ra với nhau như thể họ đã nhảy múa trong suốt cuộc đời của họ, và những thay đổi ổn định sẽ dành thời gian ngọt ngào của chính họ Tiếp cận nâng sàn nhảy. Trong khói, là một tổng hợp mơ mộng, trong khi tình yêu ở đây và ‘Trống ngọt ngào đang dậm chân hai phút. Mặc dù vậy, đó là ca khúc chủ đề, đưa nó trở thành sự vĩ đại thực sự-10 phút của trại cao, mê sảng toàn diện mà không bao giờ mệt mỏi-nhưng ở đó không phải là một khoảnh khắc yếu trong toàn bộ hồ sơ.
37. Genesis Bán Anh của Pound [Charisma, 1973]
Selling
England By The Pound
[Charisma, 1973]
Phần lớn được tạo ra từ sự lập dị của Anh [và niềm tự hào bao quanh nó], và hiếm khi nó được nhận ra rất tốt như trên kiệt tác ngổn ngang của Genesis, bán Anh. Album làm cho nhiều người nghe ngạc nhiên mong đợi sự tiếp tục của hướng đá Foxtrot, chứ không phải là sự trở lại với dân gian Beardy của những người tiền nhiệm của nó, nhưng sự sẵn sàng của ban nhạc để gây nhiễu kỳ vọng dẫn đến bộ sưu tập các bài hát mạch lạc và thú vị nhất của họ. Những câu chuyện cổ tích, Tolkien, văn hóa dân gian người Anh và sự vô ích của cuộc sống hiện đại đều là mục tiêu của Peter Gabriel khi anh ta gặp những cụm từ wordy vào mọi ngóc ngách Để tỏa sáng, dẫn đầu trên đường đua nổi bật 'More Fool Me'. Thêm vào Tony Banks, bộ tổng hợp không thể quên và các bộ phận Mellotron và bạn đã có cho mình một tác phẩm kinh điển.
36. Neu! Neu! [Brain, 1972]
NEU!
[Brain,
1972]
Hãy đối mặt với nó, ngay cả khi đây chỉ là một 12 người bao gồm 'Hologallo' và 'Negativland', chúng tôi đã cố gắng uốn cong các quy tắc để đưa nó vào. Những người theo chủ nghĩa hiện đại và hiện đại như họ đã làm. ‘Homogallo, đặc biệt chỉ là một trong những rãnh mà gần như có thể khiến bạn tin rằng nó tồn tại ngoài thời gian. Giống như ‘axit theo dõi, hay flash flash năng lượng, nó chỉ là một sự hợp nhất hoàn hảo của riff và nhịp điệu mà bạn có thể vui vẻ lắng nghe để điều chỉnh trong nhiều giờ. Thực tế là phần còn lại của NEU! Được tạo thành từ cơ bản là những người ngoài hành tinh ngoài hành tinh trừu tượng tuyệt vời, với bản ballad nhạc cụ kỳ lạ ‘Weissensee, ở giữa, chỉ là đóng băng trên bánh.
Tiết ’Negativland, chỉ là giai điệu hoàn hảo: Nó siêu hung hăng ở những nơi, nhưng rãnh đó chỉ tiếp tục quay trở lại để biết thêm. Bạn có thể lắc nó đi. Đó là điều gây ấn tượng với tôi với NEU! -Những ổ đĩa mắt chết mà cứ tiếp tục cho đi. Ngay cả những thay đổi nhịp độ và các vụ nổ của biến dạng cũng có thể giữ nó lại. Nó lặp lại thiên đường. Nó cũng đáng nói, Klaus Dinger có một trong những cái tên thô lỗ nhất trong âm nhạc, và tác phẩm nghệ thuật là thứ hai đến không. Bạn biết một NEU! Ghi lại khi bạn nhìn thấy một NEU! Ghi lại bởi vì nó nói, tốt, Neu !. Nói về biểu tượng. Chỉ là rực rỡ.
35. Steve
Reich
Music For 18 Musicians
[ECM, 1978]
Steve Reich had already proven his worth long before Music for 18 Musicians hit the shelves in 1978. His pioneering early composition It’s Gonna Rain – two tape loops of a preacher’s voice going in and out of phase – was the inspiration Brian Eno needed to explore new techniques in ambient music; Pendulum Music was a favorite in weirdo circles [and was eventually covered by Sonic Youth]; Drumming was a percussionist’s dream; and his series of phase experiments [Reed Phase, Piano Phase and Violin Phase] were massively influential. What Reich hadn’t managed though, was wider success outside of the bespectacled academic and avant-garde circles.
Music for 18 Musicians was, then, his attempt at a pop album, and from the first flurry of notes it’s clear that Reich is working in a very different mode. There’s the skeleton of Drumming’s complex percussion, but it’s decorated with a sequence of 11 disarming chords, which twist and turn throughout the album’s 55-minute duration. Reich’s influence in dance and electronic music has been canonized at this point, and while it might be his later Electric Counterpoint that would inadvertently position itself the soundtrack to ’90s chill-out rooms, it’s Music for 18 Musicians that stands as his most crucial, and most complete effort.
34. The Last Poets
The Last Poets
[Douglas, 1970]
On more than one occasion, The Last Poets has been anointed as the record that begat hip-hop – the first LP to set black nationalist poetry and street patter over spiralling, percussion-driven loops. Whether it’s the rap game Lucy or not, though, is ultimately incidental. Once heard, this collection of supercharged political commentary and soapbox sermonising remains seared on the memory. Over skittering drum tattoos, the Harlem outfit shake clenched fists at fairweather activists [‘Niggers Are Scared Of Revolution’], the Big Apple myth [‘New York, New York’] and sex-as-escape [‘Black Thighs’]. This could never be legitimately be called ‘spoken word’, though – Nilaja Obabi’s percussion backdrops liberate the ass so the mind can follow, and the vocal delivery is louder and prouder than better known contemporaries. Propulsive, funky, somatic – and fizzing with righteous anger.
33. Buzzcocks
Singles Going Steady
[I.R.S, 1979]
You can sugar-coat Singles Going Steady all you like: a document of the decade’s shift from a singles age to an album age, the importance of the singles format in punk manifested as an full-length classic, the definitive statement of the band who straddled the line between post-punk and pop-punk like no other… it’s all of these things and more. But really, what it boils down to is this: hit, after hit, after brilliant, inventive, so-simple-it-hurts, clever, dumb, sing-along hit. Singles’ first side blasts through eight songs in around 18 minutes, and every single one is untouchable. Sure, ‘Ever Fallen In Love’ was sacrificed to the international sync machine long ago, to be filed alongside ‘Everybody Hurts’ and ‘Beautiful Day’ in a vault for phone adverts and Sky montages, but it matters little: on Singles Going Steady, every shorty’s a 10.
32. Gila
Bury My Heart At Wounded Knee
[Warner Bros Records, 1973]
A 1973 psychedelic album based on the massacre of Native Americans at Wounded Knee in 1868 doesn’t sound like it’s going to be an easy ride, and it’s not – but it’s far from the grizzled leftist call-to-arms you might be expecting. At this stage, Gila was, for all intents and purposes, a solo outing for Popol Vuh’s Conny Viet – and for Bury My Heart at Wounded Knee he managed to convince Vuh mastermind Florian Fricke to help out on keys and their percussionist Daniel Fichelscher to handle drums. It stands to reason that at times the album is almost indistinguishable from Vuh’s mid-70s run – twinkling keys offset with jangling occidental guitars and earnest vocals – but there’s more to Gila than that. It’s Viet’s gorgeous songs that make Bury My Heart at Wounded Knee stand out so resolutely, and Viet’s then-girlfriend Sabine Merbach’s vocal parts are an outstanding addition to the sound, pushing the songs into almost [dare we say it] commercial territory. Think of it as a very European take on an American protest rock record, and you’ll start to get the idea.
31. Pere Ubu
The Modern Dance
[Blank, 1978]
They arrived during punk and were aligned with it – but there was something older, deeper and weirder about Pere Ubu that meant they’d never really be part of a Movement. They’re part of the Weird America that goes back to all kinds of freaky backwoodsmen, erupts in Captain Beefheart, and feeds forward into everyone from the Butthole Surfers to John Zorn to Mike Patton to Kid 606 and Matmos. What’s great about their debut is actually how un-punk it really is: despite ‘Non Alignment Pact’ and the maniacal ‘Life Stinks’, this is really a record of slow freakouts, of unravellings, of a complete meltdown of rock’n’roll to reveal the worms seething beneath the skin. And it was all done with humour. A twisted, desperate humour, maybe, to match David Thomas’s deranged wail, but definitely funny in a sick way. Like life is.
30. Linda Perhacs Hình bình hành [Kapp, 1970]
Parallelograms
[Kapp, 1970]
Parallellograms đã dành ba thập kỷ như một kho báu được chôn cất thích hợp-một album Psych-Folk hầu như không được nghe bởi một nhà vệ sinh nha khoa, người sẽ lập một kỷ lục khác trong 44 năm. Một loạt các bootlegs và một bản phát hành chính trong năm 2005 đã thay đổi tất cả những điều đó; Trong [thừa nhận nhỏ] Vòng tròn folky, Perhacs nhanh chóng được nâng lên đến trạng thái Grande Dame. Hình bình hành có hai chế độ-giá vé nhạc sĩ nhạc sĩ của Bờ biển Tây Breezy [‘Sandy Tes,‘ Paper Mountain Man,], và dân gian huyền bí [ca khúc chủ đề, ‘Cá heo]. Những điểm nổi bật chỉ đơn giản là tuyệt đẹp: xem các bản hòa âm kéo ruột trên ‘Chimacum Rain,; sự sùng kính mộc mạc ‘cá heo; và ‘hình bình hành hình học Star Star-struck hình học. Vashti Bunyan, gần như một ngày kim cương khác là một điểm so sánh được trích dẫn, nhưng bản phát hành của Perhacs, là phong phú hơn-và chắc chắn là người sassier-của cả hai.
29. Hỗn hợp Cabaret Voltaire [Thương mại thô, 1979]
Mix-Up
[Rough Trade, 1979]
Danh tiếng của Sheffield, là người đóng đinh của âm nhạc điện tử ở Anh bắt đầu từ đây, với sự ra mắt khó khăn từ các nhà đổi mới công nghiệp Cabaret Voltaire. Trong khi các đồng nghiệp liên kết tổng hợp của họ trên lục địa [cụm/hòa âm, có thể, neu! Et al] đang gửi các vòng vui vẻ của họ vào quỹ đạo, thì lần ra mắt của Cabs là một tiếng vang của cây vợt và đêm đó Qua thành phố thép. Bụi bẩn, kim loại, tiếng ồn trắng và sự lặp lại không ngừng của ngành công nghiệp được gợi lên thông qua một thiết lập sáng tạo của các thiết bị điện tử thô sơ, thao tác băng và các nhạc cụ truyền thống được chơi như thể chúng là những mảnh vỡ ngoài hành tinh. Tiếng ồn trắng và máy mài góc tia lửa ở các ngoại vi khi giọng hát ảm đạm, gầm gừ [không có lối thoát! Không thoát! Chắc chắn, nó chắc chắn, nhưng hợp lưu hỗn hợp của Cage, Stockhausen và có thể với thời kỳ thẩm mỹ punk thô là một biển chỉ dẫn thiết yếu đối với làn sóng điện tử thử nghiệm tiếp theo.
28. Fern Kinney Groove Me [Malaco, 1979]
Groove Me
[Malaco, 1979]
Album này nhẹ hơn không khí. Thật dễ dàng để bỏ lỡ chất lượng lúc đầu vì điều này - đĩa đơn lớn từ nó, 'cùng nhau chúng ta rất đẹp', là một sự thông minh của Disco Gossamer, nó hầu như không có Phô mai tổng hợp của họ. Nhưng hãy bắt đầu với ca khúc chủ đề và ‘Baby Let Me Kiss You, cả hai cũng tinh tế và trang nhã, nhưng được xây dựng trên những sự hợp nhất thực sự kỳ quặc của moroder và pop reggae chậm chạp mà tiếp tục cho đến khi bạn gửi cho họ. ‘Groove Me, đặc biệt là một chút khó hiểu, là một bản cover của King Floyd, một chút bẩn thỉu của năm 1971 Atlantic Funk, nhưng được cung cấp với những đường nét bóng bẩy, nhịp điệu được vi tính hóa mà Kraftwerk có thể hạnh phúc và đứng đầu. Tuy nhiên, một khi bạn có được đầu của mình, sự tinh tế của hai bản nhạc này, toàn bộ album trở nên sống động [vâng, ngay cả người phụ nữ nổi tiếng là Ballad Ballad ‘Sun, Moon & Rain,]. Đột nhiên, bạn nhận ra rằng, một số người nhẹ nhàng là một thuật ngữ miệt thị - không phải khi nó áp dụng cho một công trình tinh tế như thế này.
*[Mặc dù theo dõi Samantha Rose, những người yêu thích đá Rock cho trọng lượng hơn một chút]
27. Steve Hillage Rainbow Dome Musick [Blue Tấm, 1979]
Rainbow Dome Musick
[Blue Plate, 1979]
Cảnh Canterbury Stalwart Steve Hillage đã có một tay trong một loạt các bản phát hành trên khắp những năm 1970: Slinky Prog LP Space Shanty với Khan; Bộ ba vô hình vô hình Gong Gong Gnome Radio Radio; và một loạt các album solo trong nửa sau của thập kỷ. The Best, Rainbow Dome Musick, đã đến ngay cuối những năm 70, và nó là một bộ sưu tập tuyệt đẹp của Electronica môi trường xung quanh non trẻ, được sản xuất với đối tác lâu năm Miquette Giraudy.
Kết cấu điện tử đã bị lừa qua sản lượng của Hillage, trong nhiều năm [Fish Rising, ‘Solar Music Suite, Angel Egg,‘ Lâu đài trên mây Garden of Paradise, là sự sáng chói thuần khiết - tất cả các chất rửa synth và các trill tương tự, xoắn ốc đến tận đường chân trời. Đối với bao giờ cầu vồng là người tối tăm và proggier của hai người, mang các ghi chú bất hòa vào mái vòm. Rainbow Dome Musick có & nbsp; kể từ khi trở thành một công nghệ tuyệt vời, các tông màu của nó xuất hiện trở lại trên các bản phát hành của The Black Dog và The Orb [có Tiến sĩ Alex Paterson, tình cờ, sẽ tiếp tục hợp tác với Hillage trong System 7].
26. Cymande Cymande [Janus Records, 1972]
Cymande
[Janus Records, 1972]
Nó hơi kỳ lạ khi một ban nhạc chỉ có thể thực sự thành lập ở Anh cuối cùng đã lớn hơn ở Mỹ so với ở nhà. Tuy nhiên, sự pha trộn của họ các rasta rasta pre-reggae, các yếu tố châu Phi và đòn roi của funk blaxploites [đặc biệt là Curtis Mayfield] với sự u sầu đặc biệt của Anh lấy mẫu. Trong sự tồn tại ban đầu của họ, họ đã phát hành ba album trong ba năm 1972-4, tất cả đều gần với lỗi, nhưng đây và nhạc phim.
Cymande chuyên về mọi thứ mà bất cứ ai ghét nhạc jazz ghê tởm nhất-đó là sáo, bongos và lời bài hát có ý nghĩa ở đây-nhưng ngay cả những người không thích mì nhất cũng thấy khó khăn để chống lại những bài hát này, hầu hết là vì tất cả mọi thứ trong mọi bài hát là một cái móc. Những giai điệu bassline của Steve Scipio, đặc biệt là thực tế là công cụ chính, nhưng thực sự mọi phần của các rãnh phức tạp đều được thiết kế với độ chính xác của quân đội để nắm lấy bạn và không để bạn đi.
FALTYDL: Mỗi thế hệ đều có bộ phim Spike Lee với vở kịch này trong một số cảnh Brooklyn cổ điển. Chắc chắn đã đóng góp cho một số em bé được tạo ra. “Every generation has their
Spike Lee film with this playing during some classic Brooklyn scene. Surely contributed to some babies being made.”
25. Ngựa Patti Smith [Arista, 1975]
Horses
[Arista, 1975]
Những người thích nhìn tôi như một kẻ lừa đảo khó khăn, punky này, ông Patt Patti Smith nói với Crawdaddy vào năm 1975. Vâng Vâng, tôi giống như điều đó, nhưng tôi cũng rất mong manh. Sự phân đôi đó được trưng bày trên khắp ngựa, album giới thiệu Smith với thế giới. Bà bố mẹ của Punk chứa nhiều người trong album đầu tay của cô: hét lên, nhổ và làm đổ thơ của cô lên những nhạc cụ đá bị tước xuống được sản xuất bởi John Cale [cô đã so sánh quá trình gây tranh cãi với Rimbaud tựa Sureral A Season in Hell]. Giữa một sự tô điểm của Van Morrison, ‘Gloria, và những bước ngoặt tương đối giống như‘ Redondo Beach, và ‘Kimberly, là những cái lều đầy tham vọng thách thức những kỳ vọng thời hiện đại của Wham-Bam Punk. Trên ‘Birdland, bài thơ trong giấc mơ gây sốt liên thiên hà của cô làm sáng tỏ một bản nhạc jazz bị bóp méo, trong khi‘ Land, biến Chris Kenner, ‘Vùng đất của 1.000 điệu nhảy thành một cuộc khủng hoảng punk; Cả hai vượt qua mốc chín phút. Cảnh tượng huyền thoại của New York còn sống trên những con ngựa, từ bức ảnh bìa mang tính biểu tượng của Robert Mapplethorpe về vẻ đẹp Androgyne khắc khổ của Smith, đến 'tiền miễn phí'-một cái nhìn thoáng qua về các nghệ sĩ trong nghèo, người đã tụ tập tại Chelsea-để 'phá vỡ nó' , có sự tham gia của cây đàn guitar sống của Tom Verlaine. Sau này là một cống nạp cho Jim Morrison, trong khi ‘Elegie, được lấy cảm hứng từ Jimi Hendrix; Với cặp đôi, Smith đã xức dầu cho mình là người thừa kế của họ.
24. Brian Eno Increet Music [Phiên bản EG, 1975]
Discreet Music
[Editions EG, 1975]
Truyền thuyết kể rằng một tai nạn xe hơi chịu trách nhiệm cho sự quan tâm của Brian Eno, đối với những gì anh ta sẽ đến để mô tả như là âm nhạc xung quanh. Bed-Ridden trong bệnh viện, anh ấy đã được thông qua một kỷ lục về âm nhạc đàn hạc thế kỷ 18, và sau khi dành tất cả năng lượng có sẵn của mình chỉ để cố gắng để có được bản thu âm [không có iPhone trong những năm 1970, thật đáng buồn], anh ấy không có bất kỳ Còn lại để thực sự làm tăng âm lượng của bộ khuếch đại lên. Điều này buộc nhà sản xuất phải bắt đầu suy nghĩ về âm nhạc theo một cách khác - ông mô tả nó như một cách nghe nhạc mới của người Hồi giáo, nơi mà âm thanh của cơn mưa là một phần quan trọng trong trải nghiệm nghe thực tế.
Âm nhạc kín đáo là bản nhạc đầu tiên trong các thí nghiệm xung quanh đầy đủ của Eno, và vẫn là sự khó chịu nhất của anh ấy. Anh ấy đã sử dụng một kỹ thuật mà anh ấy đã cố gắng lần đầu tiên với Robert Fripp trên sự hợp tác không có ảnh hưởng của họ, theo đó họ sẽ ghi lại hai vòng băng của cùng một chuỗi ghi chú và để các vòng lặp rơi vào và ra khỏi pha. Điều này một phần bị ảnh hưởng bởi Steve Reich, it It Gon Gonna Rain, nhưng khi Reich sử dụng giọng nói, Eno đã sử dụng mẫu tổng hợp được lập trình kỹ thuật số, cho phép, về mặt âm nhạc cơ bản để tạo ra chính nó.
Eno sẽ thử âm nhạc tổng quát hơn nhiều lần, nhưng có một thứ gì đó ngây thơ quyến rũ về âm nhạc kín đáo. Không có không khí và ân sủng - chỉ là một chuỗi các âm thanh tổng hợp trôi dạt và rơi trong 30 phút. Flipside cũng bị mê hoặc không kém - một loạt các diễn giải lại của Johann Pachalbel, ‘Canon trong D Major, mà Eno đã làm việc với Gavin Bryars, nơi các cầu thủ liên quan sẽ cố gắng bắt chước quá trình băng.
Bất chấp những gì bạn có thể đọc [và những gì Eno có thể muốn bạn tin], âm nhạc kín đáo không phải là sự ra đời của âm nhạc xung quanh. Đó chắc chắn là một bước ngoặt đối với Eno, nhưng tuyên bố album này là Genesis thể loại sẽ viết ra nhiều nhạc sĩ sáng tạo hơn [nhưng ít giọng nói] khác. Trên thực tế, đó là một thử nghiệm ngon miệng và được tiếp thị tốt, điều này chỉ tình cờ giới thiệu một quân đoàn của những người nghe trẻ tuổi với một âm thanh mà Lôi vẫn phát triển mạnh mẽ cho đến ngày nay-và nó vẫn nghe hoàn toàn tuyệt vời.
23. Sly & The Family Stone Có một cuộc bạo loạn Goin, [Epic, 1971]
There’s A Riot Goin’ On
[Epic, 1971]
Sau một chuỗi các album gồm sự hợp nhất sủi bọt và sự tích cực cởi mở, Sly Stone và ban nhạc của những người theo dõi [ngày càng cạn kiệt] của anh ấy bị rơi trên đất liền trên đó, một cuộc bạo loạn. Đối với tất cả các vị trí quan trọng cao của nó, thật dễ dàng để quên rằng đây là một album kỳ lạ tuyệt vời - Mal de Mer Soul với nụ cười rictus nham hiểm, và loại điều khiến Noir'n'b hiện đại [chúng tôi đang nhìn bạn, Tesfaye] Nhìn tích cực chipper. Các bản nhạc của The Sprightlier của The Bunch [‘Family Affair,‘ giống như một em bé] bị bắn xuyên qua mối đe dọa; Những vết cắt cao hơn là bùn như bùn, được mang theo bởi lầm bầm, thì thầm, khốn nạn, và các yelps được điều chỉnh. Một người lập dị được truyền cảm hứng, và chắc chắn là một trong những album kỳ lạ nhất để đi vào kinh điển.looking at you, Tesfaye] look positively chipper. The sprightlier tracks of the bunch [‘Family Affair’, ‘Just like A Baby’] are shot through with threat; the surlier cuts are sludgy as mud, carried by mumbles, whispers, gurgles, and throttled yelps. An inspired bummer, and surely one of the strangest albums to blag its way into the canon.
22. COMUS FIRSTANCE [Dawn, 1971]
First Utterance
[Dawn, 1971]
Theo thần thoại Hy Lạp, Comus là vị thần của lễ hội và sự vui chơi - vì vậy, không có gì ngạc nhiên khi album dân gian bị biến dạng tuyệt vời này đặc quyền vượt quá sự ngon lành, cảnh tượng về tình cảm. Có trụ sở tại Kent, Comus chuyên về Hokum khéo léo: Câu chuyện về tra tấn, thờ phượng ngoại giáo, Zephyrs và Tâm lý học. Không có gì đáng ngạc nhiên, họ hầu như không tạo ra một gợn sóng thương mại [một thứ mà họ, vui nhộn, đổ lỗi cho một cuộc đình công bưu chính không đúng lúc], nhưng từ những tiếng nói của Twanging và tiếng nói của ‘Diana, trở đi, cách nói đầu tiên đều không được coi là kỳ lạ và đáng khen ngợi. Nó cực kỳ-và đôi khi không đúng cách, nhưng nếu bạn đang tìm kiếm căn bậc hai của vụ nổ Freak-Folk giữa những năm 20000, thì đây là nó.
21. Kraftwerk Autobahn [Philips, 1974]
Autobahn
[Philips, 1974]
Họ phải là người Đức. Ai khác sẽ viết một bản nhạc dài phụ dành riêng cho đường cao tốc đẫm máu? Không chỉ bất kỳ đường cao tốc nào, cả nước Đức rất đầu tiên - con đường giữa Cologne và Bon. Tuy nhiên, cho dù ý tưởng này có vẻ như thế nào bây giờ, nó đã xoay quanh vận may của Kraftwerk, người cho đến khi Autobahn được coi là một hành động thử nghiệm, thích hợp nghiêm ngặt.
Trước sự ngạc nhiên của họ, và sự ngạc nhiên của dấu ấn Vertigo, mọi người thực sự muốn mua Autobahn, và âm thanh tương lai, âm thanh tổng hợp và tiếng ca tụng trữ tình hài hước đã khiến nó thành công nhất. Nó buộc công chúng phải suy nghĩ khác biệt về những gì và không tạo thành âm nhạc, và trong khi Kraftwerk có thể không phải là một hành động điện tử hoàn toàn vào thời điểm này [có violin, sáo, piano và guitar], họ đã bị nguyền rủa. Đó là lần đầu tiên nhiều người nghe nghe những âm thanh này được sử dụng trong âm nhạc phổ biến, và phong cảnh âm nhạc đã được thay đổi cho tốt - điện, rap, kỹ thuật - tất cả bắt đầu ở đây.
Hannes Norrvide [Lust for Youth]: Mặc dù đó không phải là album đầu tiên của họ, đây là một album đầu tiên của Kraftwerk-Sounding. Một âm thanh và cảm giác hoàn toàn nguyên bản và sẽ ảnh hưởng đến hầu hết các nghệ sĩ vĩ đại mà chúng ta yêu thích. Tính thẩm mỹ của họ rất tối thiểu và chính xác và giúp xác định một phong cách châu Âu mới. “Even though it was not their first album it was the first ‘Kraftwerk-sounding’ one. A sound and feel that was completely original and would come to influence most great artists we love. Their aesthetics are very minimal and precise and helped defining a new European style.”
20. The Saints [I giápm] Stranded [EMI, 1977]
[I’m] Stranded
[EMI, 1977]
Những chú thích không công bằng trong lịch sử nhạc punk thông thường của Vương quốc Anh/Hoa Kỳ, Brisbane Scruffballs The Saints thực sự đã đưa súng lục và Buzzcocks et al vào bài, đưa ra một bài quan trọng Trong đó họ đã cho Poms một cuộc chạy đua vì tiền của họ: 1977 [Tôi] bị mắc kẹt dễ dàng là một trong những album hay nhất - và có lẽ là những album ồn ào nhất xuất hiện từ làn sóng đầu tiên của Punk. Về cơ bản, một bộ sưu tập các bản demo hodge được kết hợp với nhau với tốc độ, [tôi] bị mắc kẹt] rất rách rưới-một bức tường phản hồi nóng bỏng và đánh trống đầy đủ. Nhưng bên dưới scuzz, nó cũng có giai điệu khốc liệt: xem ca khúc chủ đề bơm nắm đấm, ‘No Time, Ant Assy Shuffle, và tốt nhất là những kẻ kỳ dị nóng bỏng đến trot. Theo album số ba, họ đã làm dịu hoàn toàn một ban nhạc khác - nhưng chúng tôi sẽ luôn có nỗ lực đầu tiên phồng rộp này.
19. Brötzmann /
Bennink
Schwarzwaldfahrt
[FMP, 1977]
It’s a veritable free-jazz fairytale – German horn player Peter Brötzmann and Dutch percussionist Han Bennink trekked off into the Black Forest [hence the album’s name] for a week in the winter of ’77 to record an album. When they arrived, Brötzmann was shocked to realize that his array of instruments no longer worked correctly. “I had clarinets and saxophones, but it was much too cold to get them really working,” he stated, and subsequently his familiar skronk is rarely heard throughout the record. In place of his beloved woodwind, Brötzmann used birdcalls, banjo, viola and his own voice, howling breathlessly over Bennink’s percussion. And what percussion – the drummer didn’t bother taking his kit, instead choosing to pack only sticks, and hammer on whatever happened to be around him – trees, wood, dirt, and most effectively, water.
The resulting set of recordings are some of the most disarming and peculiar to ever emerge from the free-jazz set, and inexplicably it never sounds contrived or hokey. Brötzmann’s chirps sound almost natural as Bennink pats rhythms out on the forest floor, and it feels as if both players are freed by their odd predicament. On paper it sounds horrible, certainly, but hearing two musicians at the top of their game performing in the cold, in the middle of a forest, on their own – well, there’s something magical about it. It’s music and nature in perfect harmony, and not a blotter in sight.
18. Tom Waits
Blue Valentine
[Asylum, 1978]
Schulze, Smith – many of the 1970s’ most important albums are revered because they simply don’t sound like they’re from the 1970s. Blue Valentine, however, is so perfect because it feels like it could have been made in any decade since the ’20s – and it would have comfortably ranked high in a list of any of those decades’ best albums too. With little of the cementary polka and nightmarish skronk that rears its head on his ’80s records, it’s Waits at his most traditional and timeless, as effortlessly cool as it is utterly, utterly heartbreaking. If it was released today, we’d be hailing the last of the great blues singers; as it is, it’s simply America’s best white voice captured at its absolute peak.
17. Hawkwind
Space Ritual
[United Artists Records, 1973]
It’s so easy to laugh. For those of us who first heard Hawkwind much later, the swirly-whirly sci-fi trimmings, ominous narration and extended solos always seemed a bit silly in comparison to their stripped-down, more obviously serious offspring like Loop, Spacemen 3, Bark Psychosis and the rest. But once you give them time, you realise Hawkwind eclipse any of these upstarts and are of course one of the greatest rock bands the British Isles has ever produced – and the live [or mostly live; as with every great “live” album there are edits and overdubs going on] Space Ritual is their crowning glory.
The swirly Moog noises, the filtered saxophone, Dave Brock’s unending guitar spirals: the moment you hear this loud enough to break through the hippy-embarassment filter, you realise that all these are the opposite of unnecessary frills. They are all perfectly locked into the relentless, nihilistically powering forward groove; indeed are inseparable parts of that groove. This was a band reducing rock to its base-level function as powerfully as anyone else ever has. Tracks like ‘Born to Go’ and ‘Brainstorm’ are a perfect mid-point between the Stooges in the States and the motorik patterns starting to emerge from Germany, and the climactic ‘Master of the Universe’ is as clear a presaging of punk rock as anything the Stooges, the Dolls, the Velvets or anyone else ever made.
16. Marcia Griffiths
Sweet And Nice
[Wild
Flower, 1974]
As reggae expanded into international markets, it faced a lot of pressure to conform to stereotypes and stick to approved rhythms. In particular, with the global rise of Bob Marley, the white rock establishment desperately wanted it to be macho rebel music, or – to use the great phrase coined by Lloyd Bradley in his book Sounds Like London – “to toe the sufferation line”. It was expected to be heavy on the roots and culture: authentic, full of meaning for stoners to unpick and, by extension, unsexy. This was news to a lot of Jamaicans, who as often as not wanted their reggae music to be as fun as anything in ska or rocksteady before, and ideally heavily dosed with the latest US sounds.
Thus Sweet and Nice. And note the original title, as the original Jamaican tracklisting [see Spotify playlist here] is the one: the Trojan version for the UK market ‘Sweet Bitter Love’ and the later massively expanded CD release Play Me Sweet and Nice do no favours to the songs by leading with the obviously reggae ones. The original release kicks off with an absolutely demolishing sequence of tracks based around slow but heavily Motown-accented soul [‘Here I Am [Come and Take Me]’], wah-wah disco [‘Everything I Own’], slow-jam soul again [‘Green Grasshopper’], and sultry funk [‘Children at Play’ – which sounds uncannily like a precursor of Massive Attack].
Chơi, sản xuất, basslines, các bản hòa âm thanh nhạc đều không thể nhầm lẫn là người Jamaica, nhưng điều này là xa từ tính xác thực được Eric-Fucking-Clapton phê duyệt như nó đến. Phần còn lại của album - bao gồm rất có thể là phiên bản tốt nhất của 'Lần đầu tiên tôi nhìn thấy khuôn mặt của bạn' từ trước đến nay - có thể rõ ràng hơn reggae/rocksteady trong các cấu trúc của nó, nhưng nghe các bản nhạc theo thứ tự dự định ban đầu của họ theo ngữ cảnh phần còn lại của phần còn lại của phần còn lại của phần còn lại của phần còn lại của chúng Album xuất sắc như một lời nhắc nhở về việc reggae phàm ăn luôn luôn chấp nhận bất cứ điều gì và mọi thứ để theo đuổi nguyên tắc niềm vui. Ngoài ra: hát đau lòng tuyệt vời.
15. HENRY COW IMPLEST [Virgin, 1974]
Unrest
[Virgin, 1974]
Henry Cow: Thạc sĩ của Olio mùa thu. Không giống như những chiếc tất tô điểm cho trang bìa của từng album đầu tiên cổ điển của họ, Tập đoàn Cambridge don lồng phù hợp với bất kỳ ngăn kéo cụ thể nào. Âm nhạc của họ, bị thiệt thòi ở Anh nhưng được ngưỡng mộ trên lục địa, hoàn toàn là các thế hệ: Folksy Chamber Prog, bị nhiễm tinh thần ngẫu hứng tự do, và bị bắn xuyên qua một chuỗi siêu thực cắn. Tất cả các album của họ là rất cần thiết, nhưng thứ hai của họ thấy nhóm chơi với độ nhạy đặc biệt.
Henry Cow thường được đặc trưng là Spiky - chính trị khốc liệt, chúng là lực lượng chính đằng sau phong trào đối lập - và không phải không có lý do: các tác phẩm bất ổn là có nút, mê cung và đôi khi cực kỳ ồn ào. Nhưng ma thuật bất ổn nằm trong sự duyên dáng và mềm mại của nó. Đây là những tác phẩm lừa đảo được vẽ trong các sắc thái mùa thu mềm - nhảy oboes trên ‘nửa ngủ / nửa tỉnh táo, hạ còi trên‘ Ruins [Phần 2], Fred Frith Frith Birdsong ấn tượng trên ‘Torch Fire. Với một số người chơi vẽ hàng đầu nghiêm túc [Tim Hodgkinson, Chris Cutler, Fred Frith không thể tin được], đó là một cuốn sách nhỏ của Lãnh thổ Muso, nhưng luôn ở bên phải của niềm đam mê. & NBSP; không phải là album ngay lập tức nhất ở đây Chắc chắn, nhưng hãy để bất ổn hoạt động với bạn, và bạn sẽ được thưởng nhiều lần.
14. Goblin Suspiria [Cinevox, 1977]
Suspiria
[Cinevox, 1977]
Sẽ là chê bai khi viết ra điểm số của Goblin Susplin Suspiria chỉ đơn giản là một bản nhạc kinh dị Prog Rock. Ban nhạc chắc chắn bị ảnh hưởng bởi thể loại này [hóa thân trước đây của họ là Cherry Five thậm chí còn hơn thế], nhưng Suspiria đã đánh dấu một điểm mà sự thay đổi của họ cho Prog tan biến, và một cái gì đó mới mẻ và thú vị xuất hiện. Vâng, đó là một bản nhạc kinh dị, và nghệ thuật, phù thủy sai lầm của Dario Argento, Flick chắc chắn thêm vào sự thích thú, nhưng điểm số của Goblin cũng tự đứng vững, và don don tin rằng bất cứ ai cố gắng nói với bạn khác nhau. Ở đây, nơi ban nhạc bắt đầu thử nghiệm nhiều hơn một chút với hình thức đã được thiết lập của họ - giọng nói và tiếng hô được xếp lớp trên các nhạc cụ Trung Đông, bộ gõ kỳ lạ và âm thanh tổng hợp quen thuộc của ban nhạc để tạo ra một tâm trạng căng thẳng, đáng sợ thực sự. Ngay cả khi không có hình ảnh ngột ngạt của Argento, thì khó có thể đánh giá cao câu chuyện kỳ lạ trong sự lựa chọn kinh tế, ngắn gọn về các tín hiệu.
Bản thân ca khúc chủ đề gần như được phong thánh như Mike Oldfield, tương tự kỳ lạ ‘Bells Tubular [chính nó đóng vai trò là phông nền cho người trừ quỷ] và vì lý do chính đáng chết tiệt. Giai điệu tử tế, những lời thì thầm đáng sợ và tiếng hét của phù thủy! Tất cả được xây dựng thành một vụ nổ synth, synth, đủ mạnh để dẫn đầu một album thích hợp, chứ đừng nói đến một bộ phim. Nói một cách đơn giản, nó là một trong những bản nhạc phim hay nhất từng được tạo ra, kinh dị hay nói cách khác, và tất cả những gì bạn phải làm là xem xét ban nhạc Acolytes - từ ông Bungle đến Mogwai - để hiểu được ảnh hưởng không thể nghi ngờ của nó.
13. Cụm Zuckerzeit [Spalax Music, 1974]
Zuckerzeit
[Spalax Music, 1974]
Zuckerzeit có nghĩa là người Hồi giáo trong tiếng Đức, và điều đó quan trọng hơn bạn nghĩ. Trước album này, Dieter Moebius và Hans-Joachim Roedelius đã làm việc ở một chế độ khác biệt rõ rệt. Như Kluster, họ đã khám phá âm thanh thử nghiệm ngẫu hứng với Conrad Schnitzler tuyệt vời, và khi họ mất một thành viên và được khởi động lại như cụm, cặp album đầu tiên của họ rất tuyệt vời nhưng ảm đạm, khám phá âm thanh công nghiệp. Đó là một cú sốc đối với hệ thống sau đó khi Zuckerzeit xuất hiện, khởi động với ‘Hollywood, một vần điệu ươm điện tử chirpy không phải là một triệu dặm so với những gì bạn có thể mong đợi được nghe từ Kraftwerk hoặc thậm chí NEU! [Người đồng sáng lập Michael Rother đóng vai trò là nhà đồng sản xuất].
Đó là nỗ lực của ban nhạc trong một album nhạc pop, và bộ đôi này đã chiếm đoạt âm thanh krautrock toàn diện để phù hợp với nhu cầu của họ, thỉnh thoảng chọn cách đeo trên một nhịp điệu, motorik ['caramel'], hoặc thậm chí thêm guitar khi nó phù hợp với họ ['James James ']. Mặc dù vậy, trong một khoảnh khắc, Zuckerzeit là một trải nghiệm lắng nghe đơn giản hơn so với những người tiền nhiệm của nó, mặc dù - nó đã bật qua ống kính bị nứt của Moebius và Roedelius và mang theo tất cả những điều kỳ lạ phải đòi hỏi. Chu kỳ máy trống được làm lại thành những hơi thở nói lắp, nấc cụt và những giai điệu tổng hợp được đẩy xung quanh như đàn hồi và các bài hát nổ ra và tiêu tan dường như không có vần điệu hay lý trí.
Tuy nhiên, đó là một trong những album đó, có ảnh hưởng đáng giá hơn nhiều so với doanh số của nó, và mặc dù có một cú hích lớn từ Superfan Brian Eno [nếu bạn muốn biết tại sao một thế giới xanh khác nghe theo cách của nó, hãy nghe Zuckerzeit], cụm Không bao giờ quản lý để đạt được sự phổ biến mà họ xứng đáng.
12. Tự sát tự sát [Red Star Records, 1977]
Suicide
[Red Star Records, 1977]
Thật khó để nói quá mức tự tử hoàn toàn ngoài tường phải nghe có vẻ như một đôi tai không bị hỏng vào đầu những năm 70, khi Alan Vega và Martin Rev đang thực hiện các chương trình nghệ thuật công cộng đầu tiên của họ ở trung tâm thành phố NYC [chương trình Có vẻ như không phải là từ đúng], với Vega quất một chuỗi xe máy xung quanh trong khi Rev điều khiển Farfisa và máy trống nguyên thủy của mình. Ngay cả những con búp bê New York, một trong số ít những bộ trang phục thực sự có thể được coi là đồng nghiệp tự tử, dường như retro cuối cùng so với, với những đoạn riff lớn và mái tóc ngược của họ và, Y KhănKnow, hợp xướng.
Vào thời điểm tự sát vào hãng phim với các nhà sản xuất nhạc punk Craig Leon [cũng là danh tiếng của Nommos Cult] và Marty Thau, Zeitgeist đã gần như bắt kịp họ, nhưng tài liệu kết quả-bảy giấc mơ sốt ra khỏi tâm lý bị phá hủy của hậu kỳ sau khi bị rách War America - vẫn nghe như không có gì và không ai khác. Vega và Rev chọn các mảnh vỡ bị cháy của Rock Laun, đó Các bài hát bị tước vào gân của họ cho đến khi có bất cứ thứ gì còn lại nhưng lặp lại; Một nhịp đập ổn định, không lấp đầy, không có móc, và các từ sôi sục đến xương [Tôi yêu bạn, oh baby Đó là cùng một câu chuyện đã kể Bảy cách, với sự khiêu dâm của 'Cheree' và 'Girl' 'tiếp tục chống lại sự cay đắng, cứng rắn của' Rocket USA 'và nỗi kinh hoàng không bao giờ bị hủy hoại của' Frankie Trogdrop ', có thể là Hầu hết 10 phút âm nhạc bừa bộn từng cam kết băng. Vẫn còn 37 năm nữa, tự tử sẽ tồn tại lâu hơn mọi thứ.
Khi tôi 22 tuổi, tôi đã phát hành một album trên Raster-Noton và phải chụp bức ảnh quảng cáo đầu tiên của tôi. Tôi trông rất dễ thương trên bức ảnh đó mặc áo phông tự sát của tôi. Vài năm sau, tôi đã phát hành một bản nhạc có tên ‘Ghost Glider, trong album FFT Pop 2004 của tôi [AS Mokira]. ‘Ghost Rider, là ca khúc đầu tiên do tự tử thực sự mang đến cho tôi, có lẽ bởi vì nó là bài hát anh túc nhất trong album đầu tay không quá đáng chú ý của họ.
11. Miles Davis trên góc [Columbia, 1972]
On The Corner
[Columbia, 1972]
Bạn không bao giờ nghe thấy những người hâm mộ nhạc jazz sáp trữ tình trên góc theo cách họ thường làm về loại bia màu xanh hoặc chó cái, và thế giới cận thị cũng mở rộng cho album tiếp nhận quan trọng vào thời điểm đó. Từ các quán bar mở đầu, mà rơi ra khỏi nơi như thể rơi xuống cầu thang, hồ sơ từ chối làm cho cuộc tấn công âm thanh vui nhộn của nó, một sự tự ý thức nghe có ý thức do cách nhà sản xuất Teo Macero tập hợp các bản nhạc từ các phần khác nhau của các phần khác nhau của Băng, cắt chống lại hạt. Đây không phải là lần đầu tiên Miles và Teo đã thử nghiệm các vòng lặp và phát triển, được đặt ra các rãnh-1969 theo cách im lặng dựa trên một vamp piano trung tâm, được mở rộng và chỉnh sửa lại trong studio để tạo thành một bức ảnh ghép xung quanh ngổn ngang . Nhưng những sự tinh tế lấp lánh của thập niên 60 không được tìm thấy ở đây, rõ ràng là một ký ức xa xôi cho Davis sau sự hợp nhất của nhạc jazz và nhạc rock khó tính hơn mà anh ta đã mang lại với Bitches Brew.
Miles nhìn vào góc khi nỗ lực của anh ấy để đẩy khung hình hơn nữa, và tham gia với một khán giả trẻ hơn, Hipper - đây là âm nhạc đường phố vui vẻ, cấp tiến, Afrocentric. Đáng buồn thay, nó đã được chứng minh là thất bại thương mại đầu tiên và đáng tiếc nhất của anh ấy, có vẻ kỳ quái, cho rằng một số giọng nói quan trọng được nghe biểu diễn ở đây - Herbie Hancock, Bennie Maupin, Mtume trong số những người khác - sẽ tiếp tục xác định Funk và Boogie khó khăn hơn và boogie Âm thanh thống trị hai thập kỷ sau của nhạc jazz. Có những hạt giống của những ý tưởng non trẻ trong suốt phiên này - một hồ sơ điên cuồng và punky, triệt để trong việc sử dụng công nghệ studio. Khoản nợ mà sàn nhảy hiện đại nợ sự trừu tượng của người ở góc vẫn chưa được hiểu đầy đủ.
10. Nico sa mạc [Reprise, 1970]
Desertshore
[Reprise, 1970]
Đến năm 1970, Nico bí ẩn đã làm rung chuyển hình ảnh của mình khi Tambourine cầm, Mitteleuropäische Chanteuse đã mang đến để làm sáng lên những đôi giày da VU Vu và WHIPS. Hóa ra cô ấy là con ngựa đen nhất trong tất cả, và sau năm 1967, Chelsea Girl hay thay đổi của người yêu Jim Morrison. Desertshore chắc chắn là một người anh em thân thiết của kỷ lục đó, với John Cale đang tái hiện vai trò là nhà sản xuất và người sắp xếp; Máy bay không người lái viola và cây đàn piano Staccato của anh ta cung cấp giàn giáo ổn định cho bản hòa âm thôi miên của Nico, và giọng nói độc đáo đó - bùng nổ nhưng dễ bị tổn thương, dày đặc và dị ứng với Melisma. Tuy nhiên, so với sự ảm đạm, cường độ gió của chỉ số đá cẩm thạch, Desertshore mang đến một vài lần nghỉ trên mây, bù đắp cho tâm trạng âm u, phương thức của 'người gác cổng của sự mất trí' và 'abschied' với sự lung linh của Velvets-in-the-East của ' Tất cả đó là của riêng tôi 'và bài hát ru nhẹ nhàng của' sợ '.
09. Serge Gainsbourg Histoire de Melody Nelson [Philips, 1971]
Histoire De Melody Nelson
[Philips, 1971]
Histoire de Melody Nelson bắt đầu bằng một vụ tai nạn - một con ma bạc Rolls Royce đập vào một chiếc xe đạp thiếu niên. Phù hợp, bởi vì sự nghiệp của Gainsbourg, được đặc trưng bởi những cú sốc ngắn - những cú đánh bất ngờ trên vật liệu Chanson sớm nhất của anh ấy; Gags Blestie trong ‘Les Sucettes, được viết cho một Gall France vô tình; Người đóng cửa smut khét tiếng ‘je t hèaime [moi non plus] Hoặc khoảnh khắc bạn nhận ra, vâng, anh ấy thực sự đã biến mất và thực hiện một album khái niệm vui nhộn về Đức quốc xã.a jaunty concept album about Nazis. Histoire, though, is his biggest suckerpunch – a 28-minute concept album without a picometer of slack.
Gainsbourg sườn bất tử 1971 Câu chuyện về tình yêu Mutt-Meet-Puppy đã được ghi lại trong hai vụ nổ: A 1970 Stint với các nhạc sĩ phiên ở London, và một phiên thứ hai với người sắp xếp Jean-Claude Vannier ở Paris vào năm sau. Gainsbourg của histoire, được trình bày trong một lời thì thầm âm mưu, rất đơn giản: sau khi va chạm giao thông, người kể chuyện quyến rũ-hoặc tuyên bố quyến rũ-một sinh viên trao đổi tiếng Anh 15 tuổi, người đột ngột trong một vụ tai nạn máy bay có thể hoặc không thể là của anh ấy đang làm.
Tuy nhiên, về mặt thực tế, nó là một đĩa đa dạng. Gainsbourg có thể có khía cạnh của một con thằn lằn phòng chờ, nhưng anh ta là một trong những con tắc kè hoa tuyệt vời của thời đại của anh ta, chuyển hướng một con mắt nặng nề sang Yé-Yé, Chanson, Cheese-Pop và Reggae-đồng hóa, lật đổ, tiếp tục. Histoire, tương ứng, giao dịch trong Bluff Funk [‘Melody,], Burlesque [‘ Valse de Melody,], và, er, điên cuồng điên cuồng [‘en melody,]. Một số người sẽ blanche tại chính trị tình dục của album [như bất kỳ ai đọc một tờ báo ở Anh vào năm 2014 sẽ biết, nó khác biệt trong những năm 1970 không thực sự như trước đây], nhưng histoire de melody nelson chắc chắn như một người thừa kế đến Lolita-một cuộc thám hiểm gặp khó khăn về ham muốn cuối đời. Gainsburg không phải là người tình bị phồng lên-giống như phần còn lại của chúng tôi, anh ấy rất nhiều Randy, Soppy và bị tê liệt bởi sự hối tiếc.
Nếu không có Histoire, Beck sẽ nhàm chán hơn, Air chỉ đơn giản là tồn tại và những năm 1970 sẽ ít hơn khoảng 30%. Nó đã hoàn hảo ném bóng-một chiến thắng của vụ đánh bom được quy định, và điểm nổi bật không thể tranh cãi của Gainsbourg, nổi tiếng Spotty Perv-Oeuvre.
08. Gavin Bryars Việc chìm tàu Titanic [Obscure, 1975]
The Sinking of the Titanic
[Obscure, 1975]
Việc chìm tàu Titanic về cơ bản là Deathporn. Khái niệm-đó là một đại diện cho âm thanh của dàn nhạc trên SS Titanic vang vọng khắp đại dương khi con tàu chìm-thực sự khá ngớ ngẩn, và có vẻ như là một cái cớ để nuông chiều những giấc mơ chết đuối nhất vì những người Pre-Raphaelites hơn Hơn bất cứ điều gì khác. Cho dù có bao nhiêu dữ liệu và bản ghi âm liên quan đến Titanic Bryars thực tế đã dệt thành nhiều màn trình diễn và bản ghi âm khác nhau trong nhiều năm qua, nó không thực sự nói về con tàu, đó là một mô tả lý tưởng hóa mở rộng về sự trôi dạt chậm chạp vào cái chết ngọt ngào. Sau khi thực tế, bạn có thể đọc tất cả các loại về sự mờ nhạt của ký ức văn hóa, sự kiêu ngạo của công nghệ Man Man, v.v., nhưng thực sự, trong việc lắng nghe, nó không có gì khác ngoài sự xóa sổ nhẹ nhàng.
Massive doses of dissociative anaesthetics have been proven to mimic the brain’s behaviour as it approaches shutdown – the often blissful near-death experience – and deep immersion in this piece can have much the same effect. All of the merging orchestral melodies [‘Amazing Grace’ and ‘Abide With Me’] conjure nothing so much as the blurring edged of consciousness, a tranquilised drift into the void. And it’s very, very beautiful, which is why its reputation has only grown over the years. This is not just a curio or academic footnote, but a lush and lovely piece of music.
The flipside ‘Jesus’ Blood Never Failed Me Yet’ exists similarly on the border of life and death, contemplation and oblivion. Its looped sample of a tramp’s gentle singing, complete with tubercular wheeze between notes, is all about fragility, hope and constructive self-delusion in the face of inevitable doom – and the orchestral parts and close-mic’ed guitar melodies that rise up around it over its 30 minutes of repetition make that inevitable doom seem like a seductive, even desirable thing. Like ‘…Titanic’, it’s an extended dream of a peaceful death: fantastical, perhaps, but speaking to something very deep inside the collective psyche.
As a record, with just these two dreamily deathly drones, one on each side, it’s a fantastic artefact, and Eno played it perfectly for the launch of Obscure Records with the packaging and ultra-limited pressing, creating an instant collector’s item. The release also represents a key rupture in the cultural fabric: this was the underground claiming modern, conceptual, high-art composition as its own. Eno was at the top of his game vis-a-vis bringing the avant-garde into the mainstream, and just about to start work with Bowie on Station to Station – and Obscure would quickly develop to record the likes of John Cage without any need for reference to or approval from academia or the classical concert hall.
In doing this, Titanic set the template for the kind of music that really is only now being explored on a grander scale. All the “post-classical” stuff coming from Jóhann Jóhannsson, Efterklang, Sigur Rós, things like the ReComposed series, huge swathes of drone, noise and immersive ambient: they all start here. Eno’s own ambient albums might have had a bigger and broader effect in the short term, but this was the album that set the stage for them, and in fact its impact seems to have been perhaps deeper and certainly every bit as long-lasting. An ode to death it might be, but its own life has been long and vital.
07. The
Upsetters
Upsetters 14 Dub Blackboard Jungle
[Upsetter, 1973]
Seriously, now: critically speaking, is there a more unfairly neglected 1970s specimen than the dub album? Beyond some perfunctory hat-tipping [“no Scratch, no Skream”, etc.], rundowns of this ilk tend to toss in a token Congos LP at #73 and call it a day. To do so is to drastically underplay dub’s enormous cultural impact – on the development of bass-led music, on the emergence of the MC, on the notion of studio as instrument, and on the development of sound system [and, by extension, contemporary club] culture. But more importantly, it’s also to deny these records their status as albums – as coherent, canonical pieces of work.Anyone who pleads that dub is a “singles medium” needs a biff on the ear: compare the number of end-to-end excellent dub LPs with, say, actually good punk albums from the period, and the Jamaicans will boss it every time.
1973 was the year when the dub album – as opposed to the instrumental reggae album, which had already had some success – emerged as a viable force. Herman Chin Loy’s taut, bare-bones Aquarius Dub, and Clive Chin’s eerie Java Java Java Java are two killer early examples. But no first-wave dub album hits the peaks of Upsetters 14 Dub Blackboard Jungle [or, as it eventually became known through various represses, Blackboard Jungle Dub]. It’s a remarkable showcase of dub’s modus operandi – ripping the guts out of rhythm tracks, then reconstituting the remains into monstrous new forms. And it’s got serious pedigree – the album where dub’s greatest auteur, King Tubby, joined forces with its most colourful practitioner, Lee ‘Scratch’ Perry.
By the album’s limited release [only 300 copies were pressed], Tubby’s reputation as a dub innovator was already sealed, and Perry had already had success with instrumental versions [notably ‘Return To Django’ and his Soul Revolution II ]. It’s no surprise, then, that so much of the vocabulary of dub is formalised on this album – skittering rim-shots, friable horn sounds that crumble like dirt, scratchy guitars that tickle the eardrums. Then there’s Perry’s unique array of tricks: muffled gurgles, creaking doors, guppy noises and incantations from the other side. There are stand-out tracks – ‘Black Panta’, the sing-song ‘Dub Organizer’ – but for the most part, the whole album blurs into one long punch-drunk skank. Forget the space-rockers and prog peddlers – this might just be the most authentically psychedelic music ever recorded.
06. Millie Jackson đã bắt kịp [Spring Records, 1974]
Caught Up
[Spring Records, 1974]
Album quyến rũ nhất, mát mẻ nhất, đau lòng nhất và ngực ngực của thập kỷ. Khi bắt kịp, Millie Jackson oi bức hơn Serge, vui hơn Curtis, và didn chỉ đánh bại các chàng trai hạ thấp danh sách này trong trò chơi của riêng họ - cô cũng thường giết họ trên các bài hát của riêng họ. Album cao trào trên một cặp bìa - & nbsp; Vòng cung câu chuyện của UP rằng không thể nghĩ về chúng trong bất kỳ bối cảnh nào khác.
Millie thường được trích dẫn vì sự khốn khổ của cô ấy, và bị bắt gặp đang nhỏ giọt với những thứ: cuộc đối đầu với người vợ của người yêu mà mở ra 'tất cả những gì tôi muốn là một cơ hội chiến đấu', chạy xuống những điểm cộng và trừ đi nó với một người đàn ông đã kết hôn '' The Rap '[Bạn không cần phải rửa sạch các ngăn kéo chết tiệt của bạn, nhưng tôi thích nó như thế], và người nghe tiếng đồng hồ trên tường! Nửa đó đóng cửa hành động mở đầu album. Mặc dù vậy, điều ấn tượng nhất về album này không phải là ngọn lửa và đá của nửa đầu của nó, mặc dù - như Millie nói, thật dễ dàng để lại cho bạn, em yêu. Nó nói về việc kiểm tra tình yêu và các mối quan hệ thống trị đã bắt kịp nửa sau, điều đó thực sự khiến nó trở nên khác biệt, và định nghĩa nó không chỉ là một album chia tay cổ điển, mà là một câu thánh thư cho quá trình phục hồi sau đó.
Một album khái niệm bắt đầu bằng một chuyện ngoại tình, đỉnh cao sự đau lòng và khép lại với sự cứu chuộc, bị bắt giữ vẫn là một bản ghi bị bỏ qua, nhưng một bản ghi bị bỏ qua mà bạn có thể chơi với bất kỳ ai - Muso hoặc dân sự - và xem họ yêu thích từng bài hát hơn. Những người quen thuộc nói về nó bằng tông màu im lặng, giống như nó không chỉ là một tác phẩm kinh điển mà là một bí mật vinh quang mà họ chia sẻ.
05. Popol Vuh trong den gärten pharaos [Pilz, 1971]
In Den Gärten Pharaos
[Pilz, 1971]
Mặc dù có một cuộc tranh luận tốt đẹp cho album đầu tay của Popol Vuh, Affenstunde nằm trong danh sách, nhưng nó ở Den Gärten Pharaos, thứ hai của họ, đã đưa người tiền nhiệm của mình vào bài viết. Album tìm thấy Florian Fricke trong một thời kỳ chuyển đổi, và trong khi ban đầu anh ta bị mê hoặc với khả năng Moog [rất mới] để tạo ra những âm thanh không phân bổ, dường như xa lạ, anh ta nhanh chóng mệt mỏi vì những hạn chế của nó. Ở Den Gärten, Pharaos ít điện tử hơn Affenstunde, nhưng anh ta đã bỏ rơi chiến tranh không thể nhầm lẫn của Moog lớn Moog của anh ta. Thay vào đó, âm thanh điện tử thưa thớt trôi nổi một cách kỳ lạ trên Holger Trülzsch, bộ gõ châu Phi và Thổ Nhĩ Kỳ đáng kinh ngạc, mang đến cho phần mở đầu ‘trong Den Gärten Pharaos, một chất lượng trừu tượng, thế giới khác. Thẻ âm nhạc ‘thế giới đáng sợ sẽ không chính xác - thay vào đó là sự tan chảy của bảng ảnh hưởng của anh ấy một cách tự tin và không có thành kiến, và nổi lên với một cái gì đó hoàn toàn lỗi thời.
Album FLIPSIDE cũng bổ ích không kém, nhưng hoạt động trong một phạm vi hoàn toàn khác. Có tên ‘Vuh, quái vật dài 20 phút tìm thấy Fricke khám phá các hình thức giáo hội, thử nghiệm với cơ quan ống và hợp xướng. Mặc dù vậy, những con sâu đó vẫn còn có thể nghe được, và khi cơ quan khổng lồ nổ tung và nhúng bên dưới tiếng đánh trống của Truülzsch, chúng tôi cuối cùng cũng làm cho Fricke tựa Moog đang đập như thể đó là đường đua đánh bại trái tim điện tử. Nó gần như chúng ta có thể có được một trải nghiệm tôn giáo trên sáp, và cảm thấy đủ mạnh mẽ để phá vỡ kính màu.
04. Black Sabbath Master of Reality [Vertigo, 1971]
Master of Reality
[Vertigo, 1971]
Kim loại nặng chỉ có thể đến từ Birmingham: một phản ứng ảm đạm và không có mặt đối với sự ảm đạm công nghiệp, ảm đạm công nghiệp. Con trai bản địa Black Sabbath đã thiết lập khuôn mẫu cho kim loại trong hai album đầu tiên của chúng-méo mó blues-rock, psychedelia bad, liều nặng của thần thoại huyền bí, Tales of Maps Tâm thần-nhưng Master of Finc Tai nạn nhà máy sẽ khiến anh ta phải phá hủy cây đàn guitar của mình hơn trước: một sự phát triển định mệnh mà một lần nữa, chỉ có thể xảy ra ở Birmingham.
Dấu chân của bậc thầy thực tế rất ấn tượng, thậm chí vượt ra ngoài kim loại Doom mà họ tiếp tục tiên phong. Iommi sườn đã phá hủy các đoạn riff và các rãnh xi -rô của ‘Chúa tể thế giới này và nửa đầu của‘ vào khoảng trống chịu trách nhiệm trực tiếp cho kim loại bùn, trong khi cỏ dại Lá ngọt đã gieo hạt giống cho đá stoner. Đây là album Sabbath đã truyền cảm hứng cho các đối thủ nặng ký của Grunge Nirvana, Smashing Pumpkins và Soundgarden; Ngay cả những lời bài hát tôn giáo của Geezer Butler, trên ‘After Forever, đã truyền cảm hứng cho một loạt các rocker Christian [và các nhà kim loại đen như Venom, người đã nghĩ rằng Sabbath là đúng với nguyên nhân].
Những lời bài hát sang một bên, Sư phụ của thực tế là đỉnh Sabbath. Những đứa trẻ quái dị của ngôi mộ là một cuộc biểu tình chống lại khu phức hợp công nghiệp quân sự, và thậm chí Ozzy cũng mô tả nó như là bài hát kick-ass nhất mà chúng tôi đã từng thu âm. Mặc dù chắc chắn trong túi, Sabbath không ngại thử nghiệm bên ngoài hộp cát kim loại Doom: Trong khi họ đã đùa giỡn với tâm lý khoảng cách trên 'hành tinh hành tinh' êm dịu, các nhạc cụ mục vụ 'phôi' và 'lan' và người ảm đạm 'Solitude' tìm thấy sự mong đợi của ban nhạc và phát triển như các nghệ sĩ album. Trong khoảng thời gian dưới một năm rưỡi, không chỉ Black Sabbath Birth Birth Heavy Metal như chúng ta biết, mà họ còn tạo tiền đề cho sự panoply của các gen phụ và các cú đánh tắt sẽ xác định kim loại và đá cứng cho Bốn thập kỷ tới. Mặc dù nó không có sốc của Black Sabbath hay The Legendary Singles of Paranoid, Master of Reality là album mà Black Sabbath đã phá vỡ kim loại nặng như rìu với hộp sọ.
03. Ý thức phổ quát của Alice Coltrane [Impulse !, 1971]
Universal Consciousness
[Impulse!, 1971]
Vũ trụ, tâm linh, siêu việt - Có nhiều cách để mô tả album thứ năm cao chót vót của Alice Coltrane, nhưng tất cả chúng đều sôi sục với cùng một điều. Nó có năng lượng tuyệt đối của bản ghi âm cho phép nó thâm nhập rất hoàn hảo và trong nhạc jazz - đừng bận tâm đến những gì vượt qua cho âm nhạc thế giới - điều đó cực kỳ hiếm. Ý thức phổ quát là đỉnh cao của nhiều ý tưởng của Coltrane, và khả năng kết hợp âm nhạc Ấn Độ, nhạc jazz và nhạc cổ điển miễn phí của cô vẫn có sức mạnh cho sự kinh ngạc ngày nay.
Một phần của album thành công chắc chắn là sự lựa chọn cộng tác viên thông minh của Coltrane, từ Bassist [và cộng tác viên Coltrane nổi tiếng] Jimmy Garrison cho những người chơi bộ gõ đã phát cuồng Ali, Jack Dejohnette và Clifford Jarvis. Nó có một nhóm người biểu diễn, tất cả đều tự vận chuyển đến cùng một chiếc máy bay vũ trụ với Coltrane, và trong khi đàn hạc và cơ quan của cô dẫn đầu các bản ghi âm với sự điêu luyện mạnh mẽ, mỗi âm thanh hỗ trợ xuất hiện để phản ánh năng lượng và niềm đam mê không bị kiểm soát của cô.
Thật khó để tin rằng album đã ra mắt Coltrane, với tư cách là một nhà tổ chức - màn trình diễn của cô ấy trong suốt là Spiky, tự tin và có ảnh hưởng vô cùng. Coltrane đã sử dụng sự tận tâm - cho bất kỳ Thiên Chúa nào - làm cơ sở cho hiệu suất của cô ấy, và nó thấm ra khỏi cô ấy mọi lúc. ‘Oh Allah, là một ví dụ hoàn hảo, và khi các đợt rạn nứt của cơ quan bị ám ảnh giữa các chuỗi chịu ảnh hưởng của Ấn Độ và Jack Dejohnette, hàm của nhịp điệu, nó khó có thể không bị choáng ngợp. Toàn bộ kỷ lục chơi như một lời cầu nguyện, và cảm thấy như thể nó được tặng cho chúng tôi từ một nơi mà hầu hết sẽ đấu tranh để tiếp cận. Bạn chỉ có thể nói rằng về hầu hết âm nhạc, tuy nhiên, có thể có được.
Ngay cả khi một người nghe trẻ nghe ý thức phổ quát lần đầu tiên, tôi nhớ đã nghĩ rằng cách tiếp cận của cô ấy có năng lượng và thuyết phục như thế nào. Có lẽ đáng chú ý nhất trong bản thu âm này là sự kết hợp âm nhạc Ấn Độ của Coltrane. Cô ấy không làm giảm các phong cách phương Đông thành một nghi lễ không tưởng đã hẹn hò, nhưng tạo ra âm nhạc như một thực tiễn khó khăn và kỷ luật-một sự khác biệt lớn. Vòm miệng âm thanh trong hồ sơ này là tươi tốt và bắt giữ, cáu kỉnh và thô thiển. Hai tay trống nhanh chóng thay đổi và phun ra xung quanh trong khi Coltrane chơi một cơ quan điện tử được cấu hình với các điểm dừng và cài đặt ảnh hưởng của sitar, pha trộn duy trì và chạy góc của cô ấy với màu sắc harp. Trong một sự hợp tác tuyệt đẹp với Ornette Coleman, các chuỗi được ngâm trong một đám mây vang dội và tự nhiên. Âm thanh của cô ấy linh hoạt và biến hình, tồn tại như một cấu trúc chất lỏng tuân thủ logic của chính nó, một thành ngữ trên chính nó. Phân cấp giữa các nhạc cụ và bộ đồng phục bị phá vỡ, và những hạn chế về phong cách cứng nhắc hiện diện ngay cả trong nhạc jazz tiên phong không tồn tại trong tác phẩm của cô. Tất cả đều chảy.
Vào năm 2005, tôi đã phỏng vấn Alice Coltrane trong một cuộc thảo luận của hội thảo do Ran Blake tổ chức. Tôi hỏi liệu cô ấy có cảm thấy công việc và ý tưởng của mình có ảnh hưởng đến chồng John Coltrane không, lưu ý đến sự thay đổi phong cách khi cô ấy tham gia bộ tứ Coltrane. Cô giải thích [như cô thường làm] rằng đó là một quá trình chung và một trực giác tập thể dẫn dắt bộ tứ về phía âm nhạc của nó. Dù sao thì cô ấy cũng sẵn sàng nhấn mạnh bản thân mình. Tôi vẫn phải tự hỏi về điều này vẫn còn, nhưng bạn có thể nghe thấy thái độ phản chiếu này thể hiện trong công việc của cô ấy. Ý thức phổ quát là một trong những hồ sơ yêu thích của tôi và là một trong những ảnh hưởng quan trọng nhất đến âm nhạc của tôi. Hãy lắng nghe từ từ. ”
02. Klaus Schulze Moondawn [Brain, 1976]
Moondawn
[Brain, 1976]
Thật khó để tưởng tượng những gì đang chạy qua đầu Klaus Schulze, khi anh quyết định kết hợp Moondawn. Không có tiền lệ cho âm nhạc này, bằng bất kỳ phương tiện nào - Schulze là một người ngoài nhu cầu và lợi ích. Nó chỉ xảy ra khi anh ta vô tình gieo hạt giống cho những gì chúng ta coi là âm nhạc điện tử chính thống.
Thời gian kỷ lục trước đây của anh ta là một cuộc tình vũ trụ, đầu tiên, chìm đắm trong các tài liệu tham khảo về Richard Wagner, và không phải là một triệu dặm từ Tangerine Dream, Phaedra. Tuy nhiên, trên Moondawn, anh bắt đầu xây dựng các thí nghiệm phong phú, phong phú này và sản xuất âm nhạc đơn giản là không thể so sánh với bất cứ điều gì khác vào thời điểm đó. 'Floating' bắt đầu đủ ngây thơ, và những lời nói lấp lánh của kho vũ khí tương tự của Schulze không nên làm bất cứ ai quen thuộc với các bản ghi trước đó của anh ấy, nhưng ngay khi các yếu tố nhịp nhàng bắt đầu xuất hiện-đánh trống từ Harald Grosskopf và trình tự tổng hợp gây ra sự khó khăn-nó Biến thành một cái gì đó không phải là một triệu dặm so với những gì chúng ta có thể nhận ra là kỹ thuật.
Đây là một vài năm trước khi Göttsching sẽ tạo ra proto-techno tome e2-e4, và trong khi tiếng trống của Grosskopf được công phu hơn một chút so với, sự bùng nổ lặp đi lặp lại của một cú đá TR-808, có một nhịp 4/4 nhất định [không giống như E2-E4, mà nếu bạn lắng nghe kỹ, sẽ thiếu bốn người]. Detroit sẽ mất một thập kỷ tốt để khám phá những âm thanh này một lần nữa [và phổ biến chúng], nhưng tất cả nền tảng được đặt ra ở đây, và được sản xuất mà không thiếu sự quyến rũ và chuyên môn. Mỗi bên có thể đi chơi gần nửa giờ, nhưng các sản phẩm của Schulze, don don kéo-họ lấp lánh với trí tưởng tượng của một thể loại vẫn còn mới mẻ và hoàn toàn không có thành kiến. Schulze không biết chính xác âm thanh của anh ta sẽ thông báo cho một thế hệ nhà sản xuất như thế nào và điều đó chỉ khiến nó trở nên bổ ích hơn khi nghe bây giờ, bất kể có bao nhiêu người sao chép đã cố gắng đòi lại âm thanh của anh ta.
01. Throbbing Gristle 20 Jazz Funk Greats [Công nghiệp, 1979]
20 Jazz Funk Greats
[Industrial, 1979]
Đọc Chris Carter và Cosey Fanni Tutti về câu chuyện đằng sau trên 20 người vĩ đại Jazz Funk trong Q & A được ủy quyền đặc biệt của chúng tôi.
Album này là một vỡ. Đó là một vết nứt mở vào các kích thước không thể giải thích được mà các dòng chảy quan trọng của văn hóa, nghệ thuật và dưới lòng đất của thế kỷ 20 đến sau. Dada, chủ nghĩa biểu hiện, trừu tượng, chủ nghĩa tương lai, tâm lý, nữ quyền và quyền đồng tính Âm nhạc, niềm vui, nỗi đau, sự cống hiến đáng sợ, không mang lại tuyệt đối, hỗn loạn, trật tự và mọi thứ ở giữa tất cả mờ và nhấp nháy qua các rãnh ở đây, đặt sai bạn mỗi lượt nhưng bằng cách nào đó tạo ra một tổng thể mạch lạc.
Buổi trình diễn đầu tiên bằng cách truyền tải các bộ truyền tải COUM tiền thân của Gristle, đã hỗ trợ cho Hawkwind, và bao gồm - như một sự châm biếm của các ban nhạc rock nuông chiều với quá nhiều bộ dụng cụ - của những con đường mang bộ dụng cụ trống và đặt chúng lên cho đến khi sân khấu hoàn toàn đầy đủ. Và từ lúc đó, mọi thứ họ đã làm như COUM hay TG, cho dù nó liên quan đến việc đổ máu, trốn tránh khán giả đằng sau một bức tường gạch hay Holocaust sang trọng, là về sự phủ nhận, về sự tha hóa, từ chối là một phần của việc sản xuất âm nhạc cho niềm vui.
Tất nhiên, trong một số giác quan nhất định, đây chỉ là một mưu mẹo: một rào cản được dựng lên để đảm bảo rằng chỉ những người chuyên dụng mới đi vào đó, và có lẽ để đảm bảo rằng bằng cách có sự cống hiến này của họ, khán giả thực sự sẽ đạt được những thú vui sâu sắc hơn và biến đổi Hiệu ứng từ những âm thanh họ tạo ra. Bởi vì dù họ có muốn hay không, TG có khả năng tạo ra những âm thanh dễ chịu sâu sắc, và khi họ phát triển cùng nhau như một đơn vị, ngày càng trở nên như vậy cho đến khi họ đạt đến đỉnh cao của 20 người vĩ đại Jazz Funk. Đây là điểm mà việc chống ban nhạc trở thành ban nhạc trong một sự bất khả thi, và sự vỡ ra đó đã mở ra.
Son, trên thực tế, album vẫn còn tuyệt đẹp. Rõ ràng ‘nóng bỏng trên gót chân của tình yêu, với nhịp điệu acid-acid kỳ lạ của nó và bassline và mindfucking Vocoder swoops-mà bất kỳ nhà sản xuất khiêu vũ điện tử nào cũng sẽ là Cockahoop xuất hiện vào năm 2014-nhảy ra vì sự lấp lánh và râm ran. Arpeggios của ‘Walkabout, cũng có tính trực tiếp đó: như‘ hothol, họ cử chỉ về phía trước cho đến những cơn cực lạc mà Chris & Cosey sẽ khám phá sau TG, và cũng lấp lánh với sự hồi hộp của việc kết nối máy và phản ứng cơ thể.
Nhưng những bản nhạc có vẻ cố ý hơn, lạm dụng và mài mòn vẫn giữ được sức mạnh ngay lập tức của họ để kích thích quá: tiếng gầm không có âm thanh của 'Sáu sáu mươi', tiếng vang và phản hồi của 'vẫn đi bộ' , robot fucked của 'What a Day' hoặc hầu hết tất cả các bonks và tiếng rít của 'thuyết phục'. Những điều này vẫn còn như không có gì khác: Tóm tắt và cảm giác vững chắc, cổ xưa và tương lai, xấu xí và đẹp đẽ cùng một lúc. Khi sự ngây ngất và cuộc tấn công kết hợp với nhau, như trên ca khúc chủ đề, trong đó ‘Ring My My Bell Khăn kiểu máy trống Disco Collide với các thiết bị điện tử bị bệnh và Cosey.
Thông qua tất cả các vụ nổ Genesis P-Corridge: Madman, Genius, Orator và Fool đều lăn lộn với nhau, không thể thay đổi và [chủ yếu] ra khỏi nhịp, reo lên và chế nhạo với từng bit của người John Lydon từng tập trung mặc dù anh ta đã chết. Cho dù chơi những người khiêu dâm có liên quan đến nôi trong 'thuyết phục', sự trừu tượng hóa ['mọi người thuyết phục'] hay khò khè và gầm gừ ['What A Day'] ban nhạc/ban nhạc cuối cùng.
Nó không thể đi xa hơn sau đó. Khi ban nhạc và ban nhạc gặp nhau, họ hủy diệt, và mặc dù TG vẫn tiếp tục thêm một năm nữa, họ đã đưa ra tuyên bố của họ: nhiệm vụ của họ cần phải bị chấm dứt. Tất nhiên, sự hủy diệt là một sự bùng nổ của sự sáng tạo, với Chris & Cosey, truyền hình tâm linh và cuối cùng là cuộn ra khỏi đống đổ nát, và tất nhiên là dư chấn khi TG tái hợp vào năm 2004 để củng cố di sản của họ. Và ảnh hưởng của họ đối với các nhạc sĩ thử nghiệm, điện tử và thậm chí cả chính trong nhiều năm tới được ghi chép lại. Nhưng ngay cả khi họ chỉ làm cho cái này trở nên đáng kinh ngạc về sự sáng tạo, vết thương bẩn không thể giải thích này trong cơ thể văn hóa, vị trí của họ trong lịch sử vẫn sẽ được đảm bảo.
Đọc thêm từ Chris Carter và Cosey Fanni Tutti trên 20 người vĩ đại Jazz Funk trong Q & A của chúng tôi.more from Chris Carter and Cosey Fanni Tutti on 20 Jazz Funk Greats in our Q&A.
Những album bán chạy nhất trong thập niên 70 là gì?
Album số 1 của thập niên 70 là gì?
Ai là nghệ sĩ âm nhạc bán chạy nhất của những năm 1970?
Năm | Nghệ sĩ biểu diễn | Album |
1970 | Simon và Garfunkel | Cầu trên nước gặp khó khăn |
1971 | Nhiều nghệ sĩ | Chúa Giêsu Kitô siêu sao |
1972 | Neil Young | Mùa gặt |
1973 | Chiến tranh | Thế giới là một khu ổ chuột |